MTV UNPLUGGED IN NEW YORK. (Nirvana)

About a Girl beginnt ohne eine Wand aus Verzerrung. Der Gitarrenrhythmus ist klar, die Melodie steht sofort und Kurt Cobains Stimme behält ihr Raues. Auf MTV Unplugged in New York verändert Nirvana die Bedingungen seiner Musik. Die Spannung bleibt, aber man hört plötzlich viel deutlicher, wo sie herkommt.

Diese Session verdient es, von Anfang bis Ende angehört zu werden. Entdecke MTV Unplugged in New York von Nirvana auf Vinyl bei SJELF.

EIN ANDERER RAUM FÜR DIESELBE BAND.

Am 18. November 1993 nahm Nirvana das Konzert in den Sony Music Studios in New York auf. Die Band hatte inzwischen ein riesiges Publikum, entschied sich aber für diese Fernsehsession für einen viel kleineren Rahmen. Ein paar Stühle, eine sorgfältig gestaltete Bühne und Instrumente, die Platz zwischen den Noten ließen: Das veränderte die Art und Weise, wie jede Geste wahrgenommen wurde.

Die Albumveröffentlichung folgte am 1. November 1994. Kurt Cobain war zu diesem Zeitpunkt verstorben. Dadurch erhielt die Aufnahme für viele Hörer sofort das Gewicht eines Abschieds. Das ist verständlich, aber das Konzert verdient auch als künstlerische Entscheidung Beachtung, die zu diesem Zeitpunkt noch eine offene Zukunft hatte.

Hier sitzt eine arbeitende Band mit Musikern, die zuhören, sich abstimmen und manchmal kurz etwas ausprobieren. Die Bedeutung der Platte wird reicher, wenn diese Lebendigkeit hörbar bleibt. Man muss nicht jeden stillen Moment als Vorzeichen deuten, um zu spüren, wie besonders die Darbietung ist.

KEINE PFLICHTÜBUNG DURCH DIE HITS.

Die Wahl von About a Girl als Opener ist sofort aufschlussreich. Das Lied hat eine kompakte Popform und eine Melodie, die wenig Hilfe braucht. In dieser Umgebung fällt das Verhältnis zwischen den Akkorden und dem Gesang besonders auf. Nirvanas Gespür für Hooks erweist sich nicht als Nebenprodukt von Lautstärke; es steckt im Schreiben selbst.

Come as You Are folgt mit seinem vertrauten Gitarrenriff. Das Riff wird in der ruhigeren Besetzung fast zu einer Art beweglichem Boden. Cobain muss nicht ständig darüber hinauskommen. Seine Stimme kann am Muster entlangschrammen und eine Phrase auf eine andere Art und Weise hängen lassen.

Smells Like Teen Spirit fehlt. Das schafft Raum für ein anderes Porträt der Band. Das Set enthält vierzehn Songs, davon sechs Coverversionen. Die Zusammenstellung zeigt also nicht nur, welche eigenen Lieder sich umformen lassen. Sie lässt auch hören, welche andere Musik Nirvana wichtig genug war, um sie auf diese Bühne zu bringen.

DIE EINFLÜSSE SITZEN MIT AM TISCH.

Jesus Doesn't Want Me for a Sunbeam stammt aus dem Repertoire der Vaselines. Das Akkordeon von Krist Novoselic verleiht der Darbietung eine eigentümliche Häuslichkeit. Der Klang atmet, die Melodie bewegt sich einfach und die Worte erhalten dadurch einen fast beiläufigen Charakter. Das macht den bitteren Unterton nur noch stärker.

The Man Who Sold the World von David Bowie bringt eine andere Form der Entfremdung mit sich. Das Gitarrenriff dreht sich wie eine kleine Frage durch den Song. Cobain singt die Melodie, ohne ihre Fremdheit zu erklären. Die unaufgelöste Spannung passt ganz selbstverständlich neben Nirvanas eigene Songs.

Die Darbietung zeigt zudem, dass unplugged keine absolute technische Regel war. Cobains akustische Gitarre lief auch durch einen Verstärker. Das Korn im Gitarrensound ist Teil der Farbe des Abends. Das Ziel war es, eine andere Dynamik zu finden, mit genug vertrauten Mitteln, um als Band spielen zu können.

LEISER ZU SPIELEN ERFORDERT PRÄZISION.

Dave Grohl musste für diese Besetzung seine Kraft anders einteilen. Ein Schlagzeugschlag, der bei einem lauten Konzert genau richtig ist, kann in einem kleinen akustischen Raum eine ganze Gesangslinie zudrücken. Hier liegt ein Großteil seines Beitrags in der Beherrschung: die Bewegung unterstützen, ohne jeden Moment komplett auszufüllen.

Pat Smear und die Cellistin Lori Goldston verbreitern den Sound. Besonders das Cello verleiht langen Noten eine andere Art von Präsenz als eine Gitarre. Wo eine angeschlagene Saite langsam ausklingt, kann ein Streichinstrument Spannung halten. Dieser Unterschied macht die leiseren Passagen weniger leer, ohne sie voller zu machen.

Dadurch hört man, wie wichtig die gegenseitigen Verhältnisse sind. Ein Live-Album kann durch extreme Geschwindigkeit oder Chaos spannend werden, aber hier entsteht die Spannung oft aus Aufmerksamkeit. Die Musiker müssen sich gegenseitig Raum geben und gleichzeitig verhindern, dass ein Song seine Form verliert.

DIE EIGENEN SONGS VERÄNDERN IHR GEWICHT.

Pennyroyal Tea steht verletzlich in der Mitte des Raumes. Die Melodie hat lange Linien, aber die Stimme bewahrt eine Unruhe, die in diesen Linien nicht aufgeht. Das Lied wird in dieser Fassung nicht komfortabel. Gerade die begrenzte Begleitung macht hörbar, wie sehr der Gesang am Material ziehen kann.

Dumb bekommt durch das Cello einen sanften Glanz. Die Melodie ist leicht zu verfolgen, während die emotionale Haltung weniger leicht einzuordnen bleibt. Diese Kombination ist typisch für das, was diese Platte so lange interessant hält: Zugänglichkeit und Unbehagen können in denselben paar Minuten nebeneinander existieren.

Polly, On a Plain und Something in the Way zeigen wieder andere Seiten der Band. Der eine Song bleibt trocken und direkt, der nächste gibt den Harmonien mehr Raum, der dritte verlangsamt das Zeitgefühl. Zusammen bilden sie keine akustische Demonstration, sondern eine Reihe von Veränderungen im Abstand.

DREI SONGS AUS EINER ANDEREN WELT.

Mit Plateau, Oh Me und Lake of Fire stehen die Songs der Meat Puppets im Mittelpunkt. Ihre Melodien haben etwas Schiefes, das Cobains Vortrag gut verträgt. Nicht jede Kurve klingt selbstverständlich, und gerade deshalb bleibt der Hörer aufmerksam. Die Stimme muss sich manchmal sichtbar anstrengen, um einer Linie zu folgen.

Diese hörbare Arbeit ist Teil der Anziehungskraft. Ein Cover muss nicht beweisen, dass der Sänger das Original mühelos beherrscht. Er kann auch zeigen, was passiert, wenn sich jemand wirklich in eine andere musikalische Welt hineinbewegt. Die Band bleibt erkennbar, lässt sich aber verändern.

Die drei Songs bilden zusammen einen Block mit eigenem Charakter. In einer traditionellen Hit-Auswahl würden solche Umwege leicht gestrichen werden. Hier machen sie deutlich, dass Geschmack selbst eine künstlerische Aussage sein kann. Wen man einlädt und was man spielt, erzählt manchmal mehr als eine lange Erklärung.

DIE LETZTEN ZWEI NUMMERN.

All Apologies zieht die Aufmerksamkeit zurück auf Nirvanas eigenes Schreiben. Der wiederholende Charakter verleiht dem Song etwas Kreisendes. Die Melodie bewegt sich weiter, scheint aber auch jedes Mal an denselben Punkt zurückzukehren. In der ruhigen Besetzung bekommt diese Wiederholung eine fast meditative Kraft, ohne alle Spannung wegzunehmen.

Where Did You Sleep Last Night schließt aus einer älteren Folk- und Bluestradition an, in den Spuren von Lead Bellys Interpretation. Der Anfang ist beherrscht. Die Begleitung hält ein klares Muster fest, wodurch die Stimme immer weiter nach vorne treten kann. Mit zunehmender Intensität verändert sich der Raum um die Worte.

In der letzten Passage wird Cobains Klang scharf und offen. Die Kraft liegt nicht nur in der Lautstärke, sondern in dem Risiko, das hörbar wird: Die Stimme bewegt sich an eine Grenze, während die Musiker die Form weitertragen. Die Stille danach muss nicht gefüllt werden. Der Schluss hat sein eigenes Maß bestimmt.

DAS BILD, DAS BLIEB.

Die Blumen, Kerzen und dunklen Vorhänge der Fernsehbühne kehren in dem Bild zurück, mit dem das Album bekannt wurde. Sie verleihen der Aufnahme eine geschlossene Atmosphäre. Die Bühne fühlt sich weniger wie ein neutrales Studio an, sondern mehr wie ein Raum mit einer eigenen Stimmung.

Nach Cobains Tod erhielt dieses Dekor zwangsläufig eine andere Bedeutung. Dennoch gibt es auch Wärme auf der Platte: kurze Kommentare, Zusammenspiel, Melodien, die etwas unerwartet Leichtes bekommen. Diese Details halten die Darbietung menschlich. Sie verhindern, dass ein lebendiger musikalischer Moment vollständig unter seiner späteren Bedeutung verschwindet.

Das Album gewann 1996 einen Grammy in der Alternative-Kategorie. Sein bleibender Wert liegt auch außerhalb dieser Anerkennung. MTV Unplugged in New York macht eine bekannte Band durch die veränderten Verhältnisse neu hörbar. Was bleibt, ist das Schreiben, der Geschmack und die Art und Weise, wie diese Musiker zusammen Spannung halten konnten.