YEAH YEAH YEAHS.

DREI MUSIKER, VIELE VERSCHIEDENE FORMEN DER ENERGIE.

Die Yeah Yeah Yeahs können einen Song so klingen lassen, als würde er jeden Moment eine andere Richtung einschlagen. Karen O setzt ihre Stimme als Melodie, Rhythmus und Ausbruch ein. Nick Zinner lässt eine Gitarre sowohl zu einer erkennbaren Figur als auch zu einem scharfen Klang werden. Brian Chase verleiht dem Schlagzeug eine eigene Bewegung. Das Trio braucht keine durchgehend volle Begleitung, um groß zu klingen. Gerade dadurch, dass die Parts einzeln hörbar bleiben, erhält eine Veränderung im Gesang oder ein neuer Schlag viel Bedeutung.

Die frühe Musik verbindet den Drang einer kleinen Band mit ausgeprägten Melodien. Das hört man bereits auf Fever to Tell aus dem Jahr 2003. Date with the Night fällt direkt ins Haus; Maps lässt dieselben Musiker ein viel verletzlicheres Gefühl tragen. Der Kontrast bildet keine Ausnahme, die man erklären müsste. Er ist ein Kern der Geschichte: Die Band kann hart nach außen treten und danach einen Song fast unangenehm nah herankommen lassen. Beide Haltungen funktionieren, weil das Zusammenspiel Raum für die Stimme lässt.

FEVER TO TELL UND DIE KRAFT EINES KLEINEN ARRANGEMENTS.

Rich eröffnet das Debütalbum mit einem nachdrücklichen Klangmuster. Die Gitarre und das Schlagzeug bilden eine Umgebung, in der die Stimme verschiedene Farben annehmen kann. In Date with the Night und Pin ist die Bewegung kürzer und schärfer. Die Band wartet nicht lange, bevor ein neuer Akzent hinzukommt. Die Songs geben das Gefühl, dass eine Idee sofort ausgespielt werden muss, bevor sie ihre Spannung verliert. Dennoch bleiben die Melodien klar genug, um mehr als ein loser Ausbruch zu sein.

Maps dreht das Verhältnis um. Die wiederholte Gitarrenfigur und der Rhythmus halten den Song zusammen, während Karen O weniger Distanz zur Emotion lässt. Ihre Stimme muss nicht immer mehr Volumen bekommen, um mehr Gewicht zu tragen. Der Song macht sichtbar, wie abhängig die Kraft der Band von dem Platz ist, den die anderen Instrumente freihalten. In der Album Story über Fever to Tell verfolgen wir diese Bewegung von der scharfen Eröffnung bis zu Maps und dem ruhigeren Schluss.

SHOW YOUR BONES: ANDERE TEXTUREN UM DIE STIMME.

Show Your Bones erschien 2006. Gold Lion bietet einen guten Einstieg in die veränderte Umgebung. Der Rhythmus und die Gitarre setzen eine breitere Bewegung um als die kürzesten Songs des Debüts. Karen O bleibt erkennbar, aber die Begleitung gibt ihr andere Möglichkeiten. Die Musik muss nicht ständig auf denselben rohen Drang zurückgreifen. Eine Melodie kann mehr Zeit bekommen, um ihre Richtung deutlich zu machen, während die rhythmische Spannung erhalten bleibt.

Damit zeigt die Band, dass ein eigener Charakter nicht an eine einzige Art von Gitarrensound gebunden ist. Es geht auch um die Art und Weise, wie die Stimme und die Begleitung einander Raum geben. Manchmal reicht ein scharfer Klang aus, um den Song zu bestimmen; manchmal entsteht die Spannung durch eine wiederkehrende Bewegung, die weniger nachdrücklich in den Vordergrund tritt. Diese Unterschiede werden deutlicher, wenn man die Alben als Ganzes hört. Eine ruhige Passage macht klar, wie viele andere Rollen dieselbe Stimme ausfüllen kann.

IT’S BLITZ!: DIE BEWEGUNG BEKOMMT EINE NEUE FARBE.

It’s Blitz! erschien 2009. Zero und Heads Will Roll stellen elektronische Klänge und eine nachdrückliche rhythmische Bewegung in den Mittelpunkt. Die Umgebung der Songs verändert sich, aber Karen O bleibt ihr menschlicher Mittelpunkt. Ihre Stimme kann über das Muster hinaussteigen oder sich genau darin bewegen. Die Musik lässt hören, wie nah die Energie einer Tanzfläche und die eines scharf spielenden Trios beieinander liegen können, ohne dass sie gleich klingen müssen.

Das Album bietet auch sanftere Gegengewichte. Soft Shock und Skeletons geben Melodie und Klang mehr Raum zum Verweilen. Das macht It’s Blitz! als komplette Platte interessant: Die überschwängliche Bewegung der bekanntesten Nummern bestimmt nicht jeden Moment. Genau wie auf Fever to Tell verändern die ruhigeren Songs, wie die direkten Passagen wirken. Die Band verlagert ihre Mittel, bewahrt aber das Bedürfnis nach Kontrast. Ein großer Klang kann so persönlich werden wie ein karger Gitarrenpart.

MOSQUITO UND COOL IT DOWN.

Mosquito folgte 2013. Sacrilege lässt hören, wie die Stimme eine größere Umgebung bekommen kann, ohne ihren ausgeprägten Charakter zu verlieren. Der Song gibt der musikalischen Bewegung Zeit, an Gewicht zu gewinnen. Die Band untersucht weiterhin, wie viele verschiedene Klänge um Karen O herum stehen können und was passiert, wenn die Begleitung mehr Raum einnimmt. Diese Frage verbindet diese Periode mit dem früheren Werk, auch wenn sich die Dimensionen des Arrangements ändern.

Cool It Down erschien im September 2022. Spitting Off the Edge of the World, mit Perfume Genius, eröffnet eine breite Klangwelt. Die Stimmen und die langen Linien setzen einen anderen Maßstab als der kurze Drang von Date with the Night. Blacktop bietet wieder eine andere Nähe. Die Band wählt nicht einen einzigen Abstand zum Zuhörer: Die Musik kann groß um einen herum stehen und danach die Aufmerksamkeit auf eine kleine vokale Geste richten. Dieser Unterschied hält das Album beweglich, auch in den weitläufigeren Passagen.

WARUM MAPS WEITERHIN FUNKTIONIERT.

Maps ist ein brauchbarer Ausgangspunkt, aber es erzählt nicht die ganze Geschichte der Yeah Yeah Yeahs. Der Song macht die emotionale Direktheit deutlich hörbar. Stellen Sie ihn danach neben Y Control: Die rhythmische Bewegung gibt der Stimme dort eine andere Haltung. Gehen Sie anschließend zu Zero und Sie hören, wie dieselbe Art von Präsenz mit einer geänderten instrumentalen Umgebung funktionieren kann. Die Wiedererkennbarkeit kommt nicht allein von der Stimmfarbe; auch die Bereitschaft, verschiedene Gefühle vollkommen stehen zu lassen, spielt eine Rolle.

Chase und Zinner sind für diese Wirkung essenziell. Das Schlagzeug gibt einem Song Richtung, ohne jeden Moment denselben Druck halten zu müssen. Die Gitarre kann ein melodischer Ankerpunkt sein und danach eher als Textur fungieren. Karen O hat dadurch keine unveränderliche Mauer hinter sich. Ihr Gesang reagiert auf eine Umgebung, die Raum öffnen und wieder schließen kann. Das Zusammenspiel klingt bei den scharfen Songs anders als bei den ruhigen, aber die Parts behalten in beiden Fällen ihre eigene Bedeutung.