DER DROGENKRIEG.

DER WEG BEGINNT IN EINEM ZIMMER.

Ein Song von The War on Drugs kann klingen, als wäre er schon immer im Gange gewesen. Die Drums laufen, eine Gitarrenfigur taucht auf, und irgendwo hinter dem Gesang bleibt ein Keyboardton hängen. Man kommt in eine Bewegung hinein, deren Anfang nicht besonders wichtig scheint. Erst wenn eine Stimme sich verändert oder verstummt, merkt man, was diese Wiederholung mit einem gemacht hat. Die Musik eröffnet eine Landschaft, ohne dem Hörer ein klares Ziel zu versprechen.

Dieser weitläufige Sound entstand nicht mit einem großen Produktionsteam, das genau wusste, wie er klingen sollte. Für Adam Granduciel war Aufnehmen eine Art zu schreiben. Um 2000 machte er sich mit einem BOSS BR-8 mit dem Übereinanderschichten von Spuren vertraut. Später kamen ein Tascam-Bandgerät und ein Mischpult hinzu. Diese Neugier ist entscheidend: Ein Klang war keine Verpackung, die einem fertigen Song nachträglich hinzugefügt wurde. Wie eine Spur aus einem Recorder zurückkam, konnte dem Song eine andere Richtung geben.

Philadelphia wurde zum Ort, an dem diese Arbeitsweise eine Band bekam. Granduciel und Kurt Vile standen am Anfang von The War on Drugs. Auf Wagonwheel Blues von 2008 liegen Melodien und raue Kanten noch dicht beieinander. Der Gesang trägt einen unverkennbaren amerikanischen Erzählton, doch die Instrumente lassen den Worten keine Ruhe. Um die Songs herum schwebt etwas, das sich weniger leicht benennen lässt: Hall, Körnung, ein Hintergrund, der nicht ganz an seinem Platz bleibt.

ZWEI WEGE AUS PHILADELPHIA.

Nach dem Debüt setzte Vile seine Solokarriere fort. Ihr gemeinsamer Ursprung macht hörbar, wie unterschiedlich sich zwei verwandte Ansätze entwickeln können. Bei Vile kann eine Gitarrenfigur das Gefühl vermitteln, dass jemand im selben Zimmer einen Gedanken immer wieder laut ausprobiert. Granduciel macht diesen Raum größer. Die Figur bleibt erkennbar, während sich Raum, Licht und ein Gefühl von Distanz um sie herum bilden.

Dieser Unterschied ist interessanter als die Frage, wer von beiden die wahre Richtung der frühen Band verkörpert. Aufnahmen bewahren Möglichkeiten, die später auseinanderlaufen können. Die ersten Platten von The War on Drugs zeigen, wie countryartige Melodien, Rock und die Liebe zur Wiederholung nebeneinander bestehen können. Das Material muss keiner einzelnen Tradition eindeutig angehören, um einen eigenen Charakter zu entwickeln.

Future Weather von 2010, eine EP, macht diesen Übergangsbereich besonders gut hörbar. Baby Missiles hat einen unmittelbaren Antrieb; andernorts bekommen Klänge mehr Zeit, ihre Konturen zu verlieren. Es ist kein zusätzliches Studioalbum, das zwischen die großen Platten gezählt werden sollte. Es ist ein eigener Halt in der Entwicklung, mit Musik, die bereits vorausweist, ohne nur als Vorbereitung zu existieren.

SLAVE AMBIENT: DER HINTERGRUND TRITT HERVOR.

Auf Slave Ambient von 2011 werden Raum und Rhythmus noch deutlicher miteinander verwoben. Der Titel hilft, die Spannung zu hören, ohne sie vollständig zu erklären. Die Songs können geradeaus laufen, während ringsum etwas schwebt. Der Rhythmus gibt die Richtung vor; die darüberliegenden Schichten lassen nicht jedes Detail feststehen. Musik, die sich leicht als entspannt beschreiben lässt, erweist sich beim aufmerksamen Hören als ziemlich ruhelos.

Das hört man in Come to the City. Gesang und Begleitung scheinen nicht immer gleich weit entfernt zu sein. Eine melodische Linie kann näher kommen, während sich der Hintergrund weiter öffnet. Baby Missiles verleiht der Platte eine andere Art von Unmittelbarkeit. Die Wiederholung hat Schwung und Körperlichkeit, wird aber nicht zu einer einfachen Schleife, in der sich sonst nichts verändert. Das Arrangement verschiebt innerhalb dieser Bewegung die Aufmerksamkeit.

Nach dieser Platte tourte die Band intensiv. Dave Hartley und Robbie Bennett wurden zu wichtigen musikalischen Partnern in der weiteren Entwicklung. Das ist eine hilfreiche Korrektur des Bildes von Granduciel als jemandem, der ausschließlich allein an Geräten schraubt. Seine Produktion hat eine ausgeprägte eigene Perspektive, doch die Platten werden auch von Musikern geprägt, die spüren, was sich innerhalb dieser Perspektive noch bewegen kann.

LOST IN THE DREAM: DIE STIMME KOMMT NÄHER.

Lost in the Dream erschien im März 2014. Granduciel arbeitete mit dem Toningenieur und Produzenten Jeff Zeigler sowie einer Gruppe von Musikern, die durch das Touren enger zusammengewachsen war. Aufgenommen wurde in verschiedenen Studios; anschließend fügte er weiter hinzu, nahm weg und veränderte die Verhältnisse. Die Weite ist also nicht das zufällige Ergebnis einer Band, die einen langen Nachmittag durchspielte. Sie ist sorgfältig gestaltet.

Trotzdem fühlt sich das Album nicht wie eine Summe einzelner Produktionsentscheidungen an. Under the Pressure macht die Zeit beinahe greifbar. Red Eyes bietet eine unmittelbarere Entladung. Suffering verlangsamt den Blick, während An Ocean in Between the Waves wieder eine lange Bewegung in Gang setzt. Granduciels Stimme ist in der von ihm geschaffenen Welt deutlicher präsent. Man versteht mehr, ohne dass der Gesang all seine Unsicherheit verliert.

In dieser Zeit spielte auch persönliche Unruhe eine Rolle. Es ist verlockend, ein Album im Nachhinein als Verwandlung einer schwierigen Zeit in einen Triumph zu erklären. Granduciel selbst hat diese einfache Lesart relativiert. Ein erfolgreiches Album macht das, was ihm vorausging, nicht automatisch lohnenswert und garantiert kein Leben ohne Probleme. Genau deshalb bleibt die Musik überzeugend: Die Bewegung ist echt, aber das Ziel steht nicht fest.

EIN SONG IST MEHR ALS SEINE LÄNGE.

Viele Songs lassen sich reichlich Zeit. Das bedeutet nicht, dass jeder Song ein langes Solo braucht oder dass eine kürzere Version unmöglich wäre. Die Zeit verändert, was man hört. Bleibt ein Muster länger bestehen, wird eine kleine Verschiebung bedeutungsvoll. Ein Keyboardton, den man zuerst kaum bemerkt hat, kann plötzlich die Distanz zur Stimme verändern. Eine Gitarre muss kein neues Thema spielen, um den Blick in die Ferne zu öffnen.

Diese Aufmerksamkeit für die Mitte eines Songs unterscheidet The War on Drugs von Musik, die nur vom Anfang zum Refrain eilt. Die Gruppe kann einen Refrain schreiben, der sofort im Ohr bleibt, behandelt aber das Dazwischen nicht als Wartezimmer. Die Instrumente erzählen die Geschichte weiter, wenn keine neuen Worte kommen. Dadurch entsteht für den Hörer eine andere Art der Beteiligung: Man verfolgt nicht nur, was als Nächstes passiert, sondern auch, was sich gerade langsam verändert.

Hier gibt es Verbindungen sowohl zum amerikanischen Rock als auch zu Musik, die auf Wiederholung setzt. Bruce Springsteen und Bob Dylan bilden einen Hintergrund für den Erzählton; Synthesizer, Effekte und durchlaufende Muster lassen den Raum weniger traditionell wirken. Die Band legt keine Prüfung in Sachen Einflüsse ab. Entscheidend ist, ob eine vertraute Melodie neue Spannung gewinnen kann, sobald sich ihr Fundament verschiebt.

EIN TIEFERES VERSTÄNDNIS.

Mit A Deeper Understanding von 2017 wurde das Klangbild noch weitläufiger und präziser. Pain und Holding On haben erkennbare melodische Anker, doch ihre Anziehungskraft liegt auch darin, wie die einzelnen Parts aufeinander warten und reagieren. Die Stimme muss den Raum nicht mit Gesang füllen. Sie kann ihren Platz behaupten, während ein anderer Part vorübergehend die Aufmerksamkeit übernimmt.

Thinking of a Place ist ein besonders klarer Zugang. In gut elf Minuten bleibt der Song in derselben Welt und verändert doch seine Farbe. Das Gefühl von Dauer ist Teil der Musik. Der Hörer wird nicht aufgefordert, jeden Moment als technische Kunstleistung zu bewerten. Man kann einfach in der Bewegung bleiben und nach und nach merken, dass sich der Anfang anders anfühlt.

2018 gewann das Album den Grammy für das beste Rockalbum. Das ist ein Meilenstein in der öffentlichen Geschichte der Band. Musikalisch ist vor allem interessant, wie das Werk eine frühere Arbeitsweise weiter öffnet: Mehr Details müssen den Schwung nicht bremsen. Eine dichte Produktion kann Luft lassen, wenn die Verhältnisse zwischen ihren Bestandteilen sorgfältig austariert werden.

EIN REFRAIN, DER NACH DRAUSSEN WILL.

I Don’t Live Here Anymore von 2021 zeichnet die Konturen des Songs an manchen Stellen noch klarer. Der Titelsong mit Lucius hat einen gemeinsamen Gesang, der sich unmittelbar an den Hörer wendet. Living Proof beginnt hingegen zurückhaltend. Harmonia’s Dream verbindet Bewegung und eine große melodische Geste, ohne dass die instrumentale Welt dahinter verschwindet. Das Album zeigt, wie viel Klarheit innerhalb des Bandsounds möglich ist.

Das macht die späteren Platten nicht zu einer Absage an den früheren Nebel. Sie zeigen verschiedene Verhältnisse zwischen einem Song und dem Raum um ihn herum. Manchmal verleiht der Hintergrund der Melodie ihre Rätselhaftigkeit; manchmal steht ein klarer Refrain im Mittelpunkt, und die Details ringsum bekommen Freiheit. Granduciels Stimme hält die Kontinuität hörbar. Er kann überzeugend weitersingen, während Zweifel Teil des Gedankens bleiben.

LIVE IST KEINE KOPIE DES STUDIOS.

Live Drugs von 2020 und Live Drugs Again von 2024 geben der Konzertband einen eigenständigen Platz in der Diskografie. Das Interessante an einer Liveversion ist hier nicht nur, dass ein bekannter Song lauter oder länger klingen kann. Das Zusammenspiel verändert sich. Die Musiker spüren im selben Raum, wann ein Muster noch Spannung hat und wann ein neuer Part einsetzen muss.

So entsteht ein Wechselspiel. Das Studio ermöglicht eine Welt, die nicht während eines einzigen Auftritts festgehalten werden muss. Die Konzerte zeigen, welche Bewegung diese Welt tragen kann, wenn alle Musiker gleichzeitig reagieren. Wer Under the Pressure genauer kennenlernen möchte, kann die Studioaufnahme und eine Liveversion nebeneinanderstellen. Die Identität des Songs bleibt bestehen; sein Umfang und sein Atem verändern sich.

VON PEOPLE WATCHING ZU WHO’S THAT.

Die Verbindung zu Sam Fender ist inzwischen konkret. Granduciel produzierte an People Watching von 2025 mit und spielte auf dem Album. Die Verwandtschaft geht über Ähnlichkeiten bei den Gitarrenschichten hinaus. Beide suchen ein Verhältnis zwischen einem fortlaufenden Bandsound und einer Stimme, die etwas Persönliches nicht ganz loslassen kann. Fender hat einen anderen geografischen und sozialen Blick; die Zusammenarbeit macht die Verwandtschaft hörbar, ohne seinen eigenen Charakter auszulöschen.

Am 9. September 2026 erschien Who’s That. Die Band stellte den Song als neue Single vor, geschrieben und produziert von Granduciel in Burbank. Angst und Selbstzweifel sind der Musik wieder ganz nah. Es ist ein aktuelles Kapitel derselben Suche: Wie findet man Bewegung und Offenheit, während die Unsicherheit bestehen bleibt? Die Single wird hier nicht als neues vollständiges Studioalbum gezählt.

So lässt sich auch die längere Entwicklung von The War on Drugs gut hören. Es gibt keinen geraden Weg von einem rauen Demo zu einem endgültig perfekten Klang. Jede Platte verschiebt das Gleichgewicht. Eine Linie wird schärfer, ein Raum tiefer, eine Stimme kommt näher. Die Band bleibt erkennbar, weil diese Neugier nicht aufhört, sobald das Rezept einmal zu funktionieren scheint.

Geh tiefer in die ALBUM STORY über Lost in the Dream. Die ARTIST PAGE vereint die LPs, CDs und Geschichten. Lies auch die ARTIST STORY von Sam Fender und die Albumgeschichte von People Watching.

Future Weather (2010) ist eine EP. Live Drugs (2020) und Live Drugs Again (2024) sind Livealben; Who’s That (2026) ist eine Single. Sie sind daher keine zusätzlichen Studioalben in dieser Auswahl.

GRAB TIEFER.

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Lies mehr über die Künstler, Klänge und Hintergründe aus dieser Geschichte.

ALBUM STORY

LOST IN THE DREAM.

Zehn Songs, eine Stunde Musik und der Raum zwischen Unruhe und Bewegung.

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BILDNACHWEIS — ALBUMCOVER: Lost in the Dream, The War on Drugs / Secretly Canadian. Produktcover der verlinkten SJELF/Bertus-Ausgabe; höhere Auflösung über das offizielle Label. Unverändert wiedergegeben.

ARTIST STORY

SAM FENDER.

Die Verbindung zu People Watching und Adam Granduciel.

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BILDNACHWEIS: Raph_PH / Wikimedia Commons · Boardmasters 2021 · CC BY 2.0 · Bestehender Commons-Zuschnitt; responsiv zugeschnitten.

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Erzählerische Musik, ihre Wurzeln und die Freiheit, weiterzuziehen.

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BILDNACHWEIS: SJELF · eigenes Genre-Guide-Bild.