DIE SIEBZIGER JAHRE.

Die siebziger Jahre hatten keinen einzigen Mittelpunkt. Rock wurde größer und komplexer, während Punk versuchte, alles wieder einzureißen. Disco baute eine neue Welt rund um die Tanzfläche auf. Funk verschob die Musik auf die Eins. Reggae machte Jamaika zu einer globalen musikalischen Macht, und in der Bronx entstand eine Kultur, die später die Welt dominieren sollte. Das Jahrzehnt klang nicht nach einer einzigen Bewegung, sondern nach dem Zerfall von Musik in zahllose neue Möglichkeiten.

AFTER THE DREAM.

Die sechziger Jahre hatten Musik mit Idealismus, Befreiung und gesellschaftlichem Wandel verknüpft. Die siebziger Jahre erbten diese Erwartungen, sahen sich jedoch mit wirtschaftlicher Unsicherheit, politischer Enttäuschung und einem wachsenden Misstrauen gegenüber Institutionen konfrontiert.

Das war hörbar. Musik wurde persönlicher, härter, dunkler und manchmal betont eskapistisch. Singer-Songwriter erforschten das Innenleben. Heavy Metal verlieh Angst und Entfremdung Gewicht. Disco verwandelte den Club in einen sicheren und befreienden Raum. Punk machte Frustration kurz und direkt.

Anstatt einer einzigen dominanten Jugendkultur entstanden Szenen mit eigener Kleidung, Schauplätzen, Ritualen und Werten. Musik wurde weniger zu einer gemeinsamen Bewegung und mehr zu einer Sammlung von Welten, in denen sich die Hörer wiedererkennen konnten.

THE ALBUM BECAME A COMPLETE WORLD.

Die LP erreichte in den siebziger Jahren einen kulturellen und kommerziellen Höhepunkt. Plattenfirmen investierten in längere Aufnahmeprozesse, auffällige Cover und groß angelegte Kampagnen. Künstler erhielten Raum, um komplette Klangwelten zu erschaffen.

Pink Floyd, Led Zeppelin, Fleetwood Mac, David Bowie, Stevie Wonder und viele andere machten Alben, die dazu gedacht waren, von Anfang bis Ende angehört zu werden. Die Reihenfolge der Songs, Übergänge, Innenhüllen und das Artwork wurden Teil des Erlebnisses.

Progressive Rock trieb diese Idee am weitesten. Lange Kompositionen, Konzepte, komplexe Taktarten und eine umfangreiche Instrumentierung machten das Album zu einer Form, die mit Literatur und Film konkurrieren wollte. Für Bewunderer war dies maximale Freiheit. Für Kritiker wurde es zum Beweis dafür, dass Rock seine Unmittelbarkeit verlieren konnte.

GUITARS BECAME HEAVIER.

Black Sabbath verlieh zu Beginn des Jahrzehnts einem dunklen und schweren Sound Form, der später als Heavy Metal bezeichnet werden sollte. Led Zeppelin kombinierte Blues, Folk, Lautstärke und Mystik. Deep Purple schlug eine eigene Verbindung zwischen Virtuosität und roher Kraft.

Größere Verstärker und Säle veränderten den Maßstab des Rock. Bands spielten nicht länger nur in Clubs und Theatern, sondern in Arenen und Stadien. Das Konzert wurde zu einem Spektakel mit Licht, Bühnenbild, Lautstärke und einer immer größeren Distanz zwischen Künstler und Publikum.

Dieses Wachstum brachte ein Paradoxon mit sich. Rock war als jugendlicher Widerstand entstanden, wurde nun aber selbst zu einer mächtigen Industrie. Genau gegen diese Distanz und Selbstgefälligkeit sollte Punk später reagieren.

GLAM MADE IDENTITY VISIBLE.

Glamrock verstand, dass Popmusik niemals ausschließlich vom Sound handelt. David Bowie, Roxy Music, T. Rex, Slade und andere nutzten Kleidung, Make-up, Theater und Künstlichkeit, um Identität flüssig zu machen.

Bowies Ziggy Stardust war nicht nur eine Sammlung von Songs, sondern ein Charakter, der die Grenze zwischen Künstler und Rolle verwischte. Glam zeigte, dass Authentizität nicht immer bedeutete, dass jemand „er selbst“ sein musste. Eine sorgfältig aufgebaute Fantasie konnte mindestens genauso viel Wahrheit enthalten.

Der Einfluss reichte weit über den Glitzer hinaus. Punk, New Wave, Synth-Pop, Gothic Rock und moderne Popstars bauten allesamt auf der Idee auf, dass Stil, Image und Musik zusammen eine einzige künstlerische Sprache bilden.

FUNK MOVED THE CENTER.

James Brown hatte schon in den sechziger Jahren gezeigt, was passierte, wenn jedes Instrument Teil des Rhythmus wurde. In den siebziger Jahren bauten Parliament-Funkadelic, Sly and the Family Stone, The Meters, Kool & the Gang sowie Earth, Wind & Fire diesen Gedanken weiter aus.

Bei Funk ging es nicht in erster Linie um ein Akkordschema, das sich irgendwohin entwickelte. Der Groove war das Ziel. Bass, Schlagzeug, Gitarre, Bläser und Gesang griffen wie Teile einer rhythmischen Maschine ineinander.

Damit lieferte Funk nicht nur Tanzmusik, sondern auch ein zukünftiges Archiv für Hip-Hop. Breaks, Basslinien und rhythmische Muster aus Funk-Platten sollten später gesampelt und neu zusammengesetzt werden.

DISCO BUILT A WORLD AFTER DARK.

Disco begann nicht als glänzende Massenware, sondern in Clubs, in denen schwarze, Latino- und Queer-Communities Räume fanden, um sich freier zu bewegen als außerhalb. Der DJ verband Platten zu einer durchgehenden Nacht und machte die Tanzfläche wichtiger als die Bühne.

Die 12-Inch-Single bot längere Versionen, tieferen Bass und mehr Raum für Rhythmus. Produzenten wie Giorgio Moroder verbanden orchestrale Arrangements mit einem elektronischen Puls. Donna Summer, Chic, Sister Sledge und Grace Jones machten aus Disco zugleich Pop, Mode, Design und Clubkultur.

Als Hollywood, Radio und große Labels den Sound entdeckten, war Disco überall. Dieser Maßstab rief Widerstand hervor. Die Anti-Disco-Bewegung wurde als Widerstand gegen kommerzielles Übermaß präsentiert, enthielt jedoch auch deutliche Feindseligkeit gegenüber den schwarzen, Latino- und Queer-Wurzeln der Kultur.

Disco verschwand nicht wirklich. Sie änderte lediglich ihren Namen und ihre Form. House, Techno, Dance-Pop und elektronische Clubmusik übernahmen die rhythmische Logik für die kommenden Jahrzehnte.

REGGAE SPOKE TO THE WORLD.

Jamaika entwickelte in kurzer Zeit eine Reihe musikalischer Innovationen. Ska verlangsamte sich zu Rocksteady und wandelte sich schließlich zu Reggae. Produzenten nutzten Studioeffekte, Bass und Raum auf eine Art und Weise, die im Dub noch radikaler wurde.

Bob Marley wurde zum internationalen Gesicht des Reggae, doch die Geschichte war weitaus umfassender. Toots and the Maytals, Burning Spear, Peter Tosh, Lee „Scratch“ Perry, King Tubby und zahllose Soundsystems bauten eine Kultur auf, in der Musik, Gemeinschaft, Spiritualität und politische Botschaft zusammenkamen.

Dub machte das Mischpult zum Instrument. Produzenten entfernten den Gesang, ließen Bass und Schlagzeug im Mittelpunkt stehen und nutzten Echo und Hall, um einen bestehenden Song neu zu gestalten. Damit wurde Dub zu einem grundlegenden Einfluss für Hip-Hop, Post-Punk und elektronische Musik.

PUNK PRESSED RESET.

Mitte der siebziger Jahre empfanden viele Jugendliche Rock als zu teuer, technisch und distanziert. Punk reagierte mit Geschwindigkeit, Einfachheit und der Idee, dass man nicht auf Erlaubnis warten musste.

In New York entstand rund um das CBGB eine Szene mit den Ramones, Television, Patti Smith und den Talking Heads. In London machten die Sex Pistols und The Clash Punk sichtbarer, konfrontativer und politischer. Die Musik war wichtig, aber das Do-it-yourself-Prinzip war mindestens genauso entscheidend.

Selbst eine Band zu gründen, ein Fanzine zu drucken, einen kleinen Veranstaltungsort zu organisieren oder ein unabhängiges Label zu gründen, wurde Teil der gleichen Einstellung. Punk machte Einschränkung zur Ästhetik. Was nicht professionell klang, konnte gerade deshalb glaubwürdig sein, weil es außerhalb bestehender Systeme entstanden war.

HIP-HOP STARTED WITH A PARTY.

Im August 1973 veranstaltete DJ Kool Herc eine Party in einem Wohnblock in der Sedgwick Avenue in der Bronx. Er konzentrierte sich auf die instrumentalen Breaks, auf die Tänzer am stärksten reagierten, und verlängerte diese Passagen mit zwei Plattenspielern.

Andere DJs und Crews bauten die Technik weiter aus. MCs sprachen über die Musik, animierten das Publikum und entwickelten immer komplexere Reimstrukturen. Breakdance und Graffiti waren Teil derselben urbanen Kultur.

Hip-Hop war anfangs kein Produkt der Plattenindustrie. Es war eine Live-Kultur, die bestehende Technologie und Platten nutzte. Erst gegen Ende des Jahrzehnts erschienen die ersten kommerziellen Rap-Aufnahmen. Die größte musikalische Verschiebung der folgenden Jahrzehnte hatte zu diesem Zeitpunkt bereits begonnen.

LISTENING BECAME PRIVATE.

Die Kompaktkassette wurde besser, günstiger und immer wichtiger. Musik konnte zu Hause aufgenommen, im Auto abgespielt und persönlich zusammengestellt werden. Das Album blieb dominant, doch die Hörer erhielten mehr Kontrolle über Reihenfolge und Auswahl.

Mit der Einführung des Sony Walkman im Jahr 1979 wurde Musik wirklich tragbar und privat. Die öffentliche Welt erhielt einen persönlichen Soundtrack. Das veränderte nicht nur, wo Menschen zuhörten, sondern auch, wie sie sich durch eine Stadt bewegten.

Das Mixtape machte das Hören zudem zu einem kreativen Akt. Eine Auswahl konnte zu einer Botschaft, Erinnerung oder Beziehung werden. Der Hörer wurde vorsichtig auch zum Zusammensteller.

WHAT THE SEVENTIES LEFT BEHIND.

Die siebziger Jahre lieferten keinen sauberen Nachfolger für die sechziger Jahre. Sie brachten stattdessen Fragmentierung. Rock, Disco, Funk, Reggae, Punk, Metal, Singer-Songwriter, Prog und der frühe Hip-Hop entwickelten ihr eigenes Publikum und ihre eigene Infrastruktur.

Fast jede wichtige Bewegung der achtziger Jahre war Ende dieses Jahrzehnts bereits hörbar. Punk führte zu Post-Punk und New Wave. Disco zu House. Funk und Soundsystem-Kultur zu Hip-Hop. Elektronische Experimente zu Synth-Pop und Techno. Die Zukunft lag nicht in einem einzigen Studio bereit. Sie lief gleichzeitig auf verschiedenen Tanzflächen, Plattenspielern und Verstärkern.

Erkunden Sie auch die Disco und Popmusik von Boney M. auf Take the Heat Off Me und Nightflight to Venus.

Verfolgen Sie die niederländischsprachige Hörerroute über Boudewijn de Groot und Voor de Overlevenden. Das Album erschien vor den siebziger Jahren und bietet einen Einstieg in die Liedertradition, die in jenem Jahrzehnt weiter wuchs.