DIE NEUNZIGER.

Die neunziger Jahre waren das letzte Jahrzehnt, in dem Millionen von Menschen etwa dieselben Stars über dieselben Fernsehsender, Zeitschriften und Plattenläden entdeckten. Gleichzeitig entstand das System, das diese geteilte Kultur aufbrechen sollte. Die CD machte die Musikindustrie reicher als je zuvor. Heimcomputer, MP3s und Napster bewiesen daraufhin, dass Musik auch ohne Hülle, Laden oder Erlaubnis reisen konnte.

THE LAST MASS-MEDIA DECADE.

Radio, MTV, Musikzeitschriften und große Plattenfirmen bestimmten zu Beginn der neunziger Jahre noch maßgeblich, welche Künstler sichtbar wurden. Ein weltweiter Hit konnte wirklich überall gleichzeitig präsent sein.

Diese Konzentration ermöglichte enorme Karrieren. Michael Jackson, Madonna, Mariah Carey, Whitney Houston und später Britney Spears sowie die Spice Girls erreichten eine Größenordnung, die vollständig auf Fernsehen, physischen Verkäufen und internationaler Promotion basierte.

Dennoch kam Erneuerung oft von außerhalb des Zentrums. Independent-Rock, Hip-Hop, House, Techno, Jungle und lokale Szenen entwickelten zunächst ihr eigenes Publikum. Die große Industrie zog nach, sobald klar wurde, dass dort nicht nur Kultur, sondern auch Geld zu finden war.

THE CD BECAME A MONEY MACHINE.

In den neunziger Jahren wurde die Compact Disc zum dominanten physischen Musikformat. Die CD war kleiner als eine LP, resistent gegen wiederholtes Abspielen und für eine längere Spieldauer geeignet. Für Verbraucher fühlte sie sich modern und praktisch an.

Für Plattenfirmen war die CD besonders profitabel. Neue Alben wurden zu hohen Preisen verkauft und komplette Kataloge konnten neu aufgelegt werden. Hörer ersetzten LPs und Kassetten durch digitale Versionen von Musik, die sie manchmal bereits besaßen.

Die Industrie wuchs dadurch außergewöhnlich schnell. Dieser Erfolg gab großen Labels genug Geld, um alternative Szenen aufzukaufen, neue Stars aggressiv zu promoten und kostspielige Produktionen zu finanzieren. Gleichzeitig machte es sie blind für den digitalen Wandel, der unter der Oberfläche begann.

GRUNGE BROKE THE POLISH.

Als Nirvana 1991 mit Nevermind den Durchbruch schaffte, wurde eine regionale Underground-Szene plötzlich weltweites Nachrichten-Thema. Seattle verfügte bereits seit Jahren über ein Netzwerk aus Bands, Veranstaltungsorten und dem Label Sub Pop. Die Musik kombinierte die Schwere von Metal mit der Direktheit und Ethik von Punk.

Grunge wurde von der Industrie als Reaktion auf den Glamour der achtziger Jahre präsentiert. Abgenutzte Kleidung, verzerrte Gitarren und unbequeme Ehrlichkeit wirkten wie das Gegenteil von sorgfältig designtem Popstardasein.

Doch sobald der Stil erfolgreich wurde, entstand eine neue kommerzielle Formel. Was als Alternative begann, wurde neu verpackt und verkauft. Diese Spannung zwischen Authentizität und Marktdynamik zog sich durch das gesamte Jahrzehnt.

HIP-HOP TOOK THE CENTER.

Hip-Hop entwickelte sich in den neunziger Jahren von einer schnell wachsenden Kultur zu einer der wichtigsten Kräfte innerhalb der populären Musik. Die Möglichkeiten waren vielfältig: die vielschichtigen Jazz-Samples von A Tribe Called Quest, die rohen Produktionen des Wu-Tang Clan, die politische Intensität von Public Enemy und die filmische West-Coast-Produktion von Dr. Dre.

Regionale Unterschiede wurden immer deutlicher. New York, Los Angeles, Atlanta, New Orleans und andere Städte bauten ihre eigenen Sounds und Industrien auf. Die Rivalität zwischen East Coast und West Coast wurde durch Medien und Kommerz aufgebauscht und erhielt durch den Tod von Tupac Shakur und The Notorious B.I.G. eine tragische Bedeutung.

Sampling blieb künstlerisch essenziell, stieß aber auf neue rechtliche und ökonomische Grenzen. Je größer Hip-Hop wurde, desto intensiver wurden die Rechte an verwendeten Fragmenten kontrolliert. Produzenten passten ihre Arbeitsweise an, doch der grundlegende Gedanke blieb: Aufgenommene Musik konnte neu gelesen und zusammengesetzt werden.

R&B REWROTE POP.

R&B wurde in den neunziger Jahren zu einem Labor für Gesang, Rhythmus und Produktion. New Jack Swing verband soulige Vocals mit Hip-Hop-Beats. Produzenten und Künstler schufen daraufhin immer futuristischere Platten mit minimalen Rhythmen, unerwarteten Pausen und digital bearbeiteten Stimmen.

Janet Jackson, TLC, Boyz II Men, Aaliyah, Mary J. Blige, Lauryn Hill und Destiny’s Child zeigten, wie breit gefächert das Genre sein konnte. R&B dominierte nicht nur die Charts, sondern veränderte die Grammatik der modernen Popmusik.

Der Produzent erhielt dabei eine immer erkennbarere Handschrift. Namen wie Timbaland, Missy Elliott und The Neptunes sollten um den Übergang zum nächsten Jahrzehnt zeigen, dass ein Beat genauso unverwechselbar sein konnte wie die Stimme darüber.

BRITPOP TURNED IDENTITY INTO A BATTLE.

Im Vereinigten Königreich entstand Britpop als selbstbewusste Reaktion auf amerikanischen Grunge und die introvertierte Shoegaze-Szene. Blur, Oasis, Pulp und Suede griffen auf britische Gitarrenpop-Traditionen zurück, übersetzten diese jedoch in die Klassen, Städte und Medien der neunziger Jahre.

Die Rivalität zwischen Blur und Oasis wurde von der Presse zu einem nationalen Wettstreit hochstilisiert. Hinter dem Marketing steckten unterschiedliche Ideen über britische Identität und Ambitionen. Britpop war gleichzeitig Musik, Stil, Nostalgie und Medienereignis.

Der Erfolg machte Gitarrenbands erneut zum Zentrum der britischen Kultur. Doch die Bewegung erschöpfte sich auch schnell durch Überfluss, Wiederholung und die Erwartung, dass jede neue Band eine komplette Generation repräsentieren müsse.

THE DANCE FLOOR BECAME A NETWORK.

House und Techno waren in den Vereinigten Staaten entstanden, erreichten in Europa jedoch eine enorme kulturelle Größenordnung. Raves, illegale Partys, Clubs und neue Labels bauten ein Netzwerk auf, das weitgehend außerhalb traditioneller Rock-Bühnen funktionierte.

Acid House, Trance, Hardcore, Jungle, Drum-and-Bass, Gabber und später Big Beat entwickelten jeweils ihr eigenes Tempo, Publikum und Geografie. Der DJ wurde zu einem zentralen Künstler, während das durchgehende Set wichtiger sein konnte als ein einzelner Song.

In den Niederlanden entwickelte sich Gabber zu einer erkennbaren Subkultur mit eigener Kleidung, Tanz und Infrastruktur. Gleichzeitig wurden niederländische DJs und Produzenten immer wichtiger innerhalb des internationalen Dance-Sektors. Elektronische Musik war nicht länger eine kleine futuristische Nebenroute. Sie wurde zu einer massiven Form der populären Kultur.

POP WENT GLOBAL.

Die neunziger Jahre brachten eine Welle von Boygroups, Girlgroups und straff choreografiertem Pop. Backstreet Boys, *NSYNC, Spice Girls und Britney Spears wurden für einen internationalen Markt entwickelt, in dem Fernsehen, Radio und Merchandise sich gegenseitig verstärkten.

Eurodance verband Rap, Gesang und elektronische Produktion zu Hits, die Sprachgrenzen leicht überquerten. Gleichzeitig erreichten Künstler aus Lateinamerika und anderen Teilen der Welt ein größeres westliches Publikum.

„Weltmusik“ wurde als Marketingbegriff genutzt, um sehr unterschiedliche Traditionen unter einem Label zu vereinen. Das erhöhte manchmal die Sichtbarkeit, bestätigte aber auch die Idee, dass englischsprachiger Pop die Norm sei und der Rest eine separate Kategorie bilde.

VINYL REFUSED TO DISAPPEAR.

Für die große Musikindustrie schien Vinyl in den neunziger Jahren weitgehend überholt. Viele neue Alben erschienen hauptsächlich als CD und Kassette. Die Produktionskapazitäten sanken und Plattenläden machten Platz für digitale Datenträger.

Doch Vinyl blieb innerhalb der DJ-Kultur, im Hip-Hop, Punk, Techno, House und bei unabhängiger Musik unverzichtbar. Für DJs war die Platte kein nostalgisches Objekt, sondern ein praktisches Instrument, mit dem Musik gemixt, gescratcht und physisch manipuliert werden konnte.

Kleine Labels und Sammler hielten das Format am Leben, als große Unternehmen ihre Aufmerksamkeit anderswohin richteten. Die spätere Vinyl-Renaissance begann daher nicht aus dem Nichts. Sie war möglich, weil bestimmte Szenen die Platte nie aufgegeben hatten.

THE MP3 REMOVED THE OBJECT.

Digitale Audiokompression machte Musikdateien klein genug, um sie per Internet zu versenden. Die MP3 beseitigte eine grundlegende Einschränkung: Musik musste nicht länger direkt an ein physisches Objekt gebunden sein.

1999 brachte Napster Millionen von Nutzern in einem System zum Austausch von Musikdateien zusammen. Für Hörer fühlte es sich wie der größte Plattenladen aller Zeiten an, nur dass so gut wie nichts bezahlt werden musste und fast alles sofort verfügbar schien.

Für die Industrie war es ein Angriff auf das Urheberrecht und die Einnahmen. Für Nutzer war es zudem eine neue Erwartung: Jeder Song musste auffindbar, einzeln erhältlich und direkt zugänglich sein. Selbst nachdem Napster gerichtlich geschlossen wurde, konnte diese Erwartung nicht mehr rückgängig gemacht werden.

WHAT THE NINETIES LEFT BEHIND.

Die neunziger Jahre waren gleichzeitig der Höhepunkt und der Anfang vom Ende der physischen Musikindustrie. Die CD lieferte Rekordumsätze, während die MP3 die Verbindung zwischen Musik und Tonträger zerschnitt.

Musikalisch wurde alternativer Sound immer wieder massentauglich. Grunge, Hip-Hop, Rave, R&B und Britpop wuchsen aus ihren Szenen heraus zu einem Massenpublikum. Am Ende des Jahrzehnts stand die Industrie größer da als je zuvor – und ihr traditionelles Geschäftsmodell war bereits grundlegend beschädigt.

Entdecken Sie den melodischen Dance-Pop von Ace of Base auf Happy Nation und The Bridge.

Entdecken Sie den melodischen Band-Pop von Clouseau auf Oker. Die Platte bietet eine belgische Hörreise durch die neunziger Jahre.