TEN. (Pearl Jam)

BEVOR DIE GITARREN EINSETZEN.

„Ten“ beginnt nicht direkt mit einem Refrain, den jeder kennt. Zuerst liegt ein seltsamer, rotierender Klang im Raum. Erst danach reißt Once das Album auf: ein sperriges Riff, ein Rhythmus, der nach vorne drängt, und Eddie Vedder, der klingt, als könnten die Sätze nicht länger in ihm bleiben. Ein effektiver Einstieg. Man weiß noch nicht genau, wer hier das Wort führt, aber Distanz zu wahren fällt schwer.

Um diese Spannung über eine ganze Platte hinweg zu erleben, werfen Sie einen Blick auf Ten von Pearl Jam auf Vinyl bei SJELF.

In diesen ersten Minuten hört man bereits den Unterschied zwischen Schwere und Schwerfälligkeit. Die Gitarren sind voll, doch die Musik bleibt in Bewegung. Bass und Schlagzeug liegen nicht nur unter dem Riff; sie geben ihm eine federnde Grundlage. Das macht Ten so gut geeignet, um es am Stück zu hören. Die bekannten Stücke sind Orientierungspunkte in einem Fluss, der ständig Druck und Richtung ändert.

EINE NEUE BAND, EIN BELASTETER ANFANG.

Pearl Jam entstand 1990 in Seattle, mit Musikern, die keineswegs bei Null anfingen. Stone Gossard und Jeff Ament hatten zuvor zusammen bei Mother Love Bone gespielt. Nach dem Tod von Sänger Andrew Wood suchten sie nach einer neuen Form. Mike McCready kam dazu, Eddie Vedder steuerte aus San Diego seine Stimme und Texte bei. Diese Vorgeschichte hilft, den Ernst zu verstehen, ohne aus jeder Note eine rein biografische Erklärung zu machen.

Zum Zeitpunkt der Aufnahmen bestand die Gruppe aus Vedder, den Gitarristen Gossard und McCready, Bassist Ament und Schlagzeuger Dave Krusen. Gerade Krusens Name verdient Aufmerksamkeit. Wer Pearl Jam vor allem von späteren Aufnahmen kennt, stellt sich vielleicht leicht einen anderen Drummer vor. Auf Ten hört man sein Spiel: kraftvoll genug, um die Gitarren zu tragen, geschmeidig genug, um ein Riff federn zu lassen.

Im März und April 1991 arbeitete die Band in den London Bridge Studios in Seattle. Rick Parashar produzierte gemeinsam mit Pearl Jam und steuerte zudem Klavier, Orgel und Perkussion bei. Der Mix wurde im Juni von Tim Palmer in den Ridge Farm Studios in England erstellt. Das Album erschien am 27. August 1991 über Epic. Dies ist die Originalversion, die hier im Mittelpunkt steht.

GROSSER KLANG, MENSCHLICHE DISTANZ.

Die Produktion besitzt eine deutliche Räumlichkeit. Gitarren hängen breit um den Gesang herum, und manche Schreie scheinen länger in der Luft zu bleiben, als man erwartet. Dieser Hall ist ein Teil der Identität der Platte. Er macht die Songs groß, kann aber auch eine gewisse Abgeschiedenheit hervorrufen: eine Stimme, die inmitten eines Raumes erklingt, der viel größer ist als die Person, die darin steht.

Die beiden Gitarristen füllen diesen Raum unterschiedlich aus. Gossards Parts verleihen den Songs erkennbare Formen, während McCready die Ränder mit melodischen Linien, Bendings und Soli auslotet, die nicht schnell enden wollen. Besonders in Alive funktioniert das überzeugend. Das Solo fühlt sich wie die Fortsetzung des Gesprächs an, mit einer anderen Stimme und ohne die Verpflichtung, Sätze bilden zu müssen.

Im Jahr 2009 erschien neben dem Original-Mix ein neuer Mix von Brendan O'Brien. Dieser Vergleich kann interessant sein, aber es sind zwei verschiedene Wege, dieselben Darbietungen zu präsentieren. Für diese Geschichte bleiben der Klang und die Reihenfolge von 1991 der Ausgangspunkt. Die zusätzlichen Songs späterer Editionen werden daher auch nicht stillschweigend an die ursprüngliche Tracklist angehängt.

BEWEGUNG UNTER DEN SCHWEREN WORTEN.

Even Flow zeigt, wie physisch Pearl Jam spielen kann. Das Gitarrenmuster scheint immer kurz davor zu sein, weiterzurollen, bevor man es richtig greifen kann. Vedder setzt kurze Laute gegen diesen Rhythmus und öffnet die Melodie dann immer weiter. Unter der Beweglichkeit verbirgt sich eine Geschichte über ein Leben am Rande der Gesellschaft. Die Musik macht dieses Thema nicht leicht; sie verleiht ihm einen unruhigen Körper.

Alive hat eine andere Anziehungskraft. Die Eröffnung klingt weit und fast einladend. Die persönliche Zerrüttung im Text steht dem nicht isoliert gegenüber, sondern reibt sich daran. Gerade diese Kombination verhindert, dass der Song nur eine Siegesgeste bleibt. Man kann den Refrain laut mitsingen und gleichzeitig etwas Unbequemes spüren. Die Musik bietet Stärke, ohne alle Fragen zu lösen.

Danach zieht Why Go die Zügel wieder straffer. Der Bass hat Zähne, die Gitarrenakzente sind kurz und der Gesang bekommt eine gehetzte Unmittelbarkeit. In der Reihenfolge der Platte ist das wichtig. Nach der breiten Bewegung von Alive fühlt sich der Raum plötzlich kleiner an. Ten hält einen nicht dadurch fest, dass jeder Song noch größer wird, sondern dadurch, dass sich die Distanz ständig verändert.

BLACK UND JEREMY: ZWEI ARTEN VON STILLE.

In Black kann eine kleine Gitarrenfigur fast freundlich klingen, bis der Gesang die emotionale Richtung klärt. Der Song baut seinen Schmerz nicht mit einer komplizierten Konstruktion auf. Die Wiederholung, der Raum zwischen den Zeilen und die sich immer weiter öffnende Stimme leisten die Arbeit. Gegen Ende scheinen die einzelnen Instrumente weniger wichtig zu werden. Alles trägt das gleiche Gefühl des Unvollendeten.

Jeremy beginnt mit einer ganz anderen Spannung. Die hellen Töne zu Beginn haben etwas Distanziertes; der Rhythmus lässt Raum, bevor die Band die Spannung wieder anzieht. Vedder erzählt von einem Jungen, der Gefahr läuft, aus dem Blickfeld zu geraten. Der Song wurde in Folge eines tatsächlich tragischen Vorfalls geschrieben, aber die musikalische Kraft liegt auch in der Aufmerksamkeit für die Isolation. Der Vortrag wandelt sich vom Erzählen in einen fast wortlosen Ausbruch.

Beide Songs zeigen, dass Stille nicht bedeuten muss, dass eine Band aufhört zu spielen. Manchmal entsteht Stille dadurch, dass nach einem Satz nichts erklärt wird. Eine Gitarre hält einen Ton, ein Akkord klingt nach, und man muss selbst mit dem umgehen, was gerade gesagt wurde. Auf einer Platte mit so viel Lautstärke sind gerade diese Stellen bemerkenswert nah.

DIE ZWEITE HÄLFTE VERDIENT EINEN EIGENEN DURCHGANG.

Wer nur zu den berühmtesten Songs zurückkehrt, verpasst die Art und Weise, wie Ten weiter atmet. Oceans ist kurz, offen und beweglich. Der Gesang liegt anders auf der Musik, mit mehr Raum um die Klänge. Anschließend setzt Porch diese Ruhe abrupt unter Spannung. Die Gitarrenfigur hat eine dringende Hast, während die Band genug Elastizität bewahrt, um nicht in einen Gleichschritt zu verfallen.

Garden wählt eine langsam wachsende Bedrohung. Die wiederkehrende Gitarrenlinie gibt Halt, aber die dunkle Färbung des Gesangs verhindert, dass es bequem wird. In Deep wird der Klang dann spröder und körperlicher. So bereitet die zweite Hälfte den Abschluss vor. Das Album sammelt Spannung, ohne für jeden Song die gleiche Menge an Licht oder Luft zu verbrauchen.

Release vollendet die Bewegung, indem es sich zurücknimmt. Ein paar Noten können jetzt genug sein. Vedder singt weitläufiger und die Band lässt den Song allmählich aufblühen. Es fühlt sich nicht an, als wäre plötzlich eine einfache Lösung gefunden worden. Es entsteht vor allem Platz für etwas, das zuvor feststeckte. Lassen Sie auch das instrumentale Ausklingen nach dem Song laufen: Die Platte kehrt damit in die fremde Klangwelt zurück, mit der sie begann.

FÜNF HÄNDE UND EIN WACHSENDES PUBLIKUM.

Auf dem berühmten Cover stehen die Bandmitglieder mit erhobenen Armen und aneinandergelegten Händen vor dem leuchtenden Hintergrund. Das Bild ist einfach und unmittelbar lesbar: eine Gruppe, die sich als Gruppe präsentiert. Neben den oft einsamen Charakteren in den Songs entsteht dadurch ein interessanter Kontrast. Von außen sieht man Verbundenheit; innen hört man, wie viel Mühe Kontakt manchmal kostet.

Die Singles Alive, Even Flow und Jeremy brachten die Band, unterstützt durch ihre Videos auf MTV, einem großen Publikum näher. Jeremy brachte Pearl Jam die erste Grammy-Nominierung ein. Doch die bleibende Bedeutung von Ten liegt nicht nur in diesem Durchbruch. Das Album zeigte, dass zugänglicher Gitarrenrock gleichzeitig schwer, melodisch und verletzlich sein konnte, ohne dass eine dieser Eigenschaften die andere verdrängen musste.