GRACE. (Jeff Buckley)

EINE STIMME, DIE DEN RAUM VERÄNDERT.

Mojo Pin beginnt, als wolle jemand erst einmal hören, wie der Raum klingt. Lose Gitarrenfiguren, eine Stimme weit über der Begleitung, ein Rhythmus, der noch nicht alles festlegt. Dann fängt die Band an, sich zu bewegen. Jeff Buckley wechselt von verhaltenem Gesang zu Ausbrüchen, die fast die Lautsprecher sprengen wollen. Es geschieht innerhalb desselben Songs, ohne dass die leiseren Passagen ihre Bedeutung verlieren. Man hört sofort, wie viele Facetten dieser Sänger hat.

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Das ist das Versprechen, mit dem Grace eröffnet. Das Album erschien im August 1994 bei Columbia und sollte Buckleys einziges zu Lebzeiten vollendetes Studioalbum bleiben. Doch in der Musik steckt vor allem die Energie eines Aufbruchs. Er erkundet, wie weit sich eine Melodie dehnen lässt, wie viel Spannung eine Band aufbauen kann und wie ein bestehendes Lied durch seine eigene Stimme eine neue Aufladung erfährt. Das Album klingt neugierig, manchmal überschwänglich und regelmäßig unruhig.

VON SIN-É ZUR BAND.

Im New Yorker Club Sin-é hatte Buckley gelernt, einen kleinen Raum nur mit seiner Stimme und einer elektrischen Gitarre zu füllen. Er spielte dort eigene Stücke und Songs anderer Künstler. In einem Interview mit Raygun aus dem Jahr 1994 beschrieb er die Cafés als einen Ort, an dem er sich musikalisch entwickeln konnte. Die Live-EP Live at Sin-é hielt einen Teil dieser Phase fest. Für ein vollständiges Studioalbum wollte er jedoch über diese eine Besetzung hinausblicken.

Mit Bassist Mick Grondahl und Schlagzeuger Matt Johnson entstand der Kern der Band, mit der er Grace aufnehmen sollte. Sie spielten erst wenige Wochen zusammen, als die Arbeit in Woodstock begann. Die Musiker lernten sich also während der Entstehung der Platte erst richtig kennen. Das verleiht dem Album etwas Bewegliches. Man hört, wie die Begleitung auf eine Stimme reagiert, die nicht immer das gleiche Volumen, die gleiche Färbung oder die gleiche Distanz beibehält.

ANDY WALLACE GIBT DEN IDEEN FORM.

Produzent Andy Wallace kannte das Gewicht einer Rockband. Zu seinen Arbeiten zählten unter anderem Slayer und Nirvana. Bei Buckley lag die Herausforderung auch darin, die feinen Details zu bewahren. Wallace erzählte später gegenüber Tape Op, dass der Sänger jemanden suchte, der sensibel mit seinen Ideen umgehen würde. Gleichzeitig war Führung nötig: Buckley hatte viele Einfälle und konnte leicht von einem Plan zum nächsten springen.

Die Aufnahmen in den Bearsville Studios bei Woodstock begannen im Herbst 1993. Wallace erinnerte sich an einen Prozess mit Unterbrechungen, in dem das Material weiter wuchs und später erneut aufgenommen wurde. Die Platte musste nicht durchgehend auf eine Art klingen. Es gab Platz für ein karges Gitarrenspiel, aber auch für satte Drums, Streicher und eine Stimme, die über allem thronte.

Dieser Ansatz macht die Rolle der Band so wichtig. Wenn die Musik in Grace an Tempo gewinnt und sich öffnet, hört man mehr als nur einen Sänger, der lauter wird. Die Drums geben dem Ausbruch eine Richtung. Die Gitarren füllen den Raum drumherum. Anschließend kann eine ruhigere Passage wieder fast schwerelos werden. Das Arrangement bleibt Buckley stets auf den Fersen, selbst wenn er sich weit von der ursprünglichen melodischen Linie zu entfernen scheint.

DIE SONGS HABEN EINEN EIGENEN CHARAKTER.

Die ersten zwei Songs, Mojo Pin und Grace, schrieb Buckley gemeinsam mit Gitarrist Gary Lucas. Sie kombinieren auffällige Gitarrenfiguren mit Raum für eine Stimme, die die Atmosphäre verändern kann. Der Titelsong trägt den Hörer immer weiter mit sich. Er hat etwas Ungeduldiges: Sobald man denkt, die Musik habe ihre Form gefunden, zieht Buckley die Spannung noch weiter an.

Last Goodbye bietet einen direkteren Anknüpfungspunkt. Die Melodie bleibt im Gedächtnis und der Rhythmus bewegt sich klar vorwärts. Dennoch liegt ein Zweifel in der Art und Weise, wie der Gesang Abschied nimmt. Dieses Spannungsfeld funktioniert gut: Die Musik zieht einen nach vorne, während Text und Vortrag irgendwo innehalten. Buckley konnte eine große Geste machen, ohne jede Emotion auf ein einfaches Ergebnis zu reduzieren.

Danach verändert Lilac Wine die Temperatur. Das Lied von James Shelton erfährt eine langsame, aufmerksame Interpretation, in der jeder Moment zwischen zwei Sätzen an Bedeutung gewinnt. Buckley zieht es durch seine Dosierung in seinen Bann. Er muss nicht ständig seinen gesamten Stimmumfang zeigen, um den Hörer bei der Aufnahme zu halten. Gerade das Warten auf die nächste Zeile bekommt Kraft.

So Real, geschrieben mit Michael Tighe, stellt daraufhin einen rauen Klang neben diese Ruhe. Das Gitarrenspiel besitzt eine instabile Spannung, die sich in den schwereren Passagen entlädt. Die Album-Credits machen hier einen Unterschied: Buckley produzierte diesen Song selbst; Clif Norrell übernahm die Aufnahme und Wallace den Mix. Innerhalb eines Albums fand also auch eine andere Aufgabenverteilung ihren Platz.

HALLELUJAH, IN DER MITTE DER PLATTE.

Für viele Hörer wurde Hallelujah zum Zugang zu Buckley. Das Lied stammt von Leonard Cohen; John Cales Version auf dem Tribut-Album I'm Your Fan war ein wichtiger Zwischenschritt zu Buckleys Version. In Sin-é konnte er das Lied Abend für Abend für sich beanspruchen. Für Grace blieben eine elektrische Gitarre und seine Stimme das Fundament.

Die Aufnahme beginnt mit hörbarem Atmen. Danach erhält die Gitarre Zeit, ihren Klang ausklingen zu lassen. Buckley hält manche Noten länger als erwartet und verändert die Betonung innerhalb eines Satzes. Dadurch wirkt das Lied gleichzeitig vertraut und so, als würde es in diesem Moment erst entstehen. Dieser Eindruck von Spontanität bedeutete nicht, dass kaum daran gearbeitet wurde. Laut Angaben seines ehemaligen Managers Dave Lory und des Autors Jim Irvin für die Library of Congress setzte Wallace die Interpretation aus fünf Takes zusammen.

Auf dem Album steht Hallelujah in der Mitte der Reihenfolge. Danach folgt noch viel. Lover, You Should’ve Come Over beginnt mit dem Klang eines Harmoniums und entfaltet sich langsam zu einer großen, suchenden Liebesballade. Der Gesang bekommt immer mehr Gewicht, aber die Melodie bleibt erkennbar. Nach dem Lied von Cohen zeigt Buckley so, wie viel Gewicht sein eigenes Songwriting tragen kann.

Das kurze Corpus Christi Carol in der Vertonung von Benjamin Britten schafft danach wieder Raum. Der lichte Gesang und die sparsame Begleitung lassen die Musik fast stillstehen. Das macht den Zusammenprall mit Eternal Life umso stärker. Dort gewinnen die Gitarren und Drums an Schwung und Schärfe. In seinem Raygun-Interview verband Buckley diesen Song mit seiner Wut über Gewalt und Gleichgültigkeit. Die Unruhe von Grace entspringt also auch einem Blick auf die Welt jenseits der Liebesbeziehungen.

DER MOMENT VOR DEM MIKROFON.

Das Cover zeigt Buckley mit einem Mikrofon und einer glänzenden Jacke. Fotografin Merri Cyr machte das Bild während einer Session im Loft ihres Freundes, des Musikers William Basinski, in Williamsburg. Für diesen Anlass hatte sie den Raum in eine Kabarettatmosphäre versetzt. In einem Interview mit Bache erzählte sie, wie Buckley mit einer Tasche voller Second-Hand-Kleidung ankam. Die goldene Paillettenjacke passte zu dieser eigenwilligen Sammlung.

Das Bild wirkt intim, hat aber auch etwas Theatralisches. Diese Kombination passt zum Album: jemand, der sich in ein paar sanfte Noten zurückziehen kann und kurz darauf den ganzen Raum für sich beansprucht. Laut Cyr waren die Leute bei Sony wenig begeistert von der Jacke. Das Porträt blieb dennoch die Vorderseite von Grace. Die Spannung zwischen einem verletzlichen Auftritt und einem sichtbaren Verlangen nach der Bühne liegt somit auch im Cover verborgen.

EIN ALBUM, DAS WEITERREIST.

Die Bedeutung von Grace wuchs nach Buckleys Tod im Jahr 1997 weiter. 2009 beschrieb Columbia/Legacy, wie das Album inzwischen in verschiedenen Ländern Platin erreicht hatte, darunter in den Niederlanden. Seine Aufnahme von Hallelujah wurde später für das amerikanische National Recording Registry ausgewählt. Dies sind Anzeichen einer langen Nachwirkung: Die Platte erreichte noch Jahre nach dem Ende der ersten Tour neue Hörer.

Doch das schönste Argument für ein vollständiges Durchhören liegt am Ende des Albums selbst. Dream Brother lässt Gitarre, Rhythmus und Gesang umeinander kreisen. Die Spannung baut sich auf, ohne sofort einen klaren Ausweg zu bieten. Wenn die letzten Klänge verblassen, hat man eine weitaus beweglichere Platte gehört, als die bekannteste Ballade allein vermuten lässt. Grace verlangt Aufmerksamkeit für all diese Wechsel.