GREGORY PORTER.

DIE STIMME FÜR DEN ERFOLG.

Gregory Porter wird am 4. November 1971 in Sacramento geboren und wächst in Bakersfield, Kalifornien, auf. Seine Mutter ist Predigerin. Der Gospel aus der Kirche und ihre Platten von Nat King Cole gehören zu seiner frühesten musikalischen Welt. Das eine bietet Gemeinschaftsgefühl und emotionale Kraft, das andere eine Stimme, die selbst in eine einfache Melodie Vertrauen legen kann. Diese beiden Seiten bleiben in seinem eigenen Werk hörbar.

Dennoch führt der Weg zur Musik nicht direkt. Porter geht mit einem Stipendium für American Football an die San Diego State University. Eine Schulterverletzung beendet seine sportlichen Aussichten. In San Diego trifft er den Musiker und Produzenten Kamau Kenyatta, der zu einem wichtigen Mentor wird. Der Gesang bekommt mehr Raum, zunächst in kleineren Sälen, lange bevor große Bühnen und Preise in Sicht kommen.

Dieser frühe Werdegang erklärt, warum Porter bei seinem Durchbruch nicht wie ein Sänger klingt, der seine Persönlichkeit noch finden muss. Sein Debüt erscheint erst, als er Ende dreißig ist. Jahre des Auftretens, des Zuhörens und des Arbeitens liegen hinter ihm. Die Stimme hat eine klare Form, aber die Darbietung bleibt offen: jemand, der eine Geschichte vermitteln will und darauf vertraut, dass das Publikum auf ihn zukommen kann.

WATER: EIN DEBÜT MIT EIGENEM GEWICHT.

In New York verbindet Porter die Arbeit im Geschäft seines Bruders mit Auftritten. Zudem steht er im Theater auf der Bühne, unter anderem in „It Ain’t Nothin’ But the Blues“. Als 2010 „Water“ bei Motéma erscheint, kommt also kein unbeschriebenes Blatt ins Studio. Das Album enthält eigene Stücke und Interpretationen von vorhandenem Material, von „Illusion“ bis „Feeling Good“. Es erhält sofort eine Grammy-Nominierung.

„Water“ lässt hören, dass Porters Stimme mehr kann, als eine schöne Melodie zu tragen. Es liegt eine Geschmeidigkeit in seinem Timing: Er kann die Band ruhig bewegen lassen, eine Phrase dehnen und anschließend wieder präzise im Rhythmus landen. Das tiefe Register ist kein Endpunkt eines Tricks. Es ist die Basis eines Gesprächs, in dem sich die Farbe der Worte ständig verändert.

Ein Stück wie „1960 What?“ gibt einen anderen Zugang als eine intime Ballade. Der Groove nimmt einen mit, während der Gesang an Dringlichkeit gewinnt. Dieser Kontrast ist nützlich, um ihn sich zu merken. Wer Porter nur als beruhigende Stimme im Hintergrund einordnet, hört nur einen Teil seines Spektrums. Seine Musik kann trösten, aber auch Unruhe und Entschlossenheit in sich tragen.

BE GOOD UND DIE KUNST DES ERZÄHLENS.

„Be Good“ folgt 2012. Der Titelsong, „Be Good (Lion’s Song)“, dreht sich um die Metapher eines Löwen und gewinnt eine fast erzählerische Intimität. „Real Good Hands“ wählt wieder eine andere, menschliche Situation als Ausgangspunkt. Porter muss keine komplizierten Konstruktionen verwenden, um ein Gefühl wachsen zu lassen. Eine erkennbare Beziehung zwischen Menschen reicht oft aus.

Auf dieser Platte wird deutlich, wie wichtig seine eigenen Songs sind. Der Gesang ist unverkennbar ein Anziehungspunkt, aber die Worte sorgen dafür, dass man beim nächsten Hören wieder zurückkehrt. Eine Zeile kann zärtlich sein, ohne unverbindlich zu werden. Die Begleiter halten die Landschaft beweglich, sodass Porter nicht jede Emotion mit zusätzlichem Volumen erklären muss.

Dieses Verhältnis zwischen Stimme und Band ist auch eine gute Hörübung. Achte nicht nur auf die höchste oder längste Note. Höre, wie das Klavier eine Antwort gibt, wie der Bass das Tempo bewacht und wie eine Pause den folgenden Satz wichtiger macht. Bei Porter ist Beherrschung oft genauso entscheidend wie Kraft.

LIQUID SPIRIT BRICHT DIE TÜR AUF.

Mit „Liquid Spirit“ von 2013 wechselt er zu Blue Note. Das Album erreicht ein viel größeres Publikum und bringt ihm 2014 den Grammy für das „Best Jazz Vocal Album“ ein. Der Titelsong hat eine ansteckende, körperliche Bewegung: Händeklatschen und Rhythmus ziehen den Hörer in den Song hinein. Die Stimme scheint die Energie gleichzeitig anzuführen und mit ihr mitzugehen.

Dem gegenüber steht „Hey Laura“, in dem Sehnsucht und Unsicherheit nah beieinander liegen. Porter lässt die Verletzlichkeit des Erzählers bestehen. Er macht daraus keine Demonstration, wie viel Emotion ein Sänger produzieren kann. Das Überzeugende liegt gerade in den Details, in der Art und Weise, wie ein Satz zögert oder doch noch versucht, weiterzugehen.

„Water Under Bridges“ reduziert den Umfang weiter, während andere Stücke die Band wieder nachdrücklich sprechen lassen. Dadurch ist „Liquid Spirit“ keine Platte mit einer konstanten Temperatur. Die Abwechslung hält das Album lebendig. Der größte Anziehungspunkt ist vielleicht, dass die Musik zugänglich klingt, ohne alles sofort preiszugeben. Eine Melodie öffnet die Tür; die Erzählung hält einen drinnen.

HOLDING ON KANN MEHRERE LEBEN HABEN.

2015 arbeitet Porter mit dem britischen Duo Disclosure an „Holding On“. Diese Zusammenarbeit platziert seine Stimme in eine elektronische Umgebung. Ein Jahr später eröffnet „Take Me to the Alley“ mit seiner eigenen Version desselben Songs. Die Produktion ist räumlicher und akustischer, aber der Song bleibt erkennbar. Die Melodie und die Intention überleben den Klangwechsel.

Der Titelsong von „Take Me to the Alley“ lenkt die Aufmerksamkeit auf Menschen, die gewöhnlich übersehen werden. Porters Mutter, die anderen mit Essen und Obdach half, bildet eine wichtige Inspiration. Es ist ein Beispiel dafür, wie seine Familiengeschichte in die Musik einfließt, ohne dass jeder Song eine buchstäbliche Autobiografie sein muss.

Das Album erscheint 2016 und gewinnt bei der Grammy-Verleihung 2017 erneut als „Best Jazz Vocal Album“. Auch hier bleibt die kleine Band wichtig. Pianist Chip Crawford gehört zu seinen ständigen musikalischen Partnern. Die Musiker bauen keine ununterbrochene Mauer hinter dem Sänger auf, sondern lassen die Arrangements atmen. Dadurch kann ein freundlicher Klang auch eine scharfe Botschaft tragen.

NAT KING COLE ALS PERSÖNLICHE QUELLE.

Auf „Nat King Cole & Me“ von 2017 macht Porter die Verbindung zu seiner Jugend explizit. Mit Arrangements von Vince Mendoza und dem London Studio Orchestra kehrt er zu Liedern zurück, die er mit Cole assoziiert, darunter „Smile“, „Nature Boy“ und „L-O-V-E“. Die Streicher geben der Platte eine größere Kulisse als seine früheren Arbeiten in kleiner Besetzung.

Dennoch ist der Kern persönlich. Cole bot dem jungen Porter in der Abwesenheit seines Vaters ein Gefühl von Geborgenheit und Orientierung. Diese Bedeutung erklärt, warum das Projekt über die Bewunderung für einen berühmten Vorgänger hinausgeht. Es geht auch darum, was eine Platte bewirken kann, wenn die Stimme aus dem Lautsprecher zum richtigen Zeitpunkt etwas in einem berührt.

Porter versucht dabei nicht, derselbe Sänger zu werden. Sein eigener Bariton hat ein anderes Gewicht. Gerade dadurch entsteht ein interessanter Abstand zwischen Erinnerung und Darbietung: Bekannte Lieder erhalten eine neue Bedeutung, weil jemand sie aus einer eigenen Geschichte heraus singt.

ALL RISE VERGRÖSSERT DEN KLANG.

„All Rise“ von 2020 rückt sein eigenes Songwriting wieder in den Vordergrund. Produzent Troy Miller arbeitet mit Porters Band, Bläsern, einem Chor und Streichern des London Symphony Orchestra zusammen. Das Ganze kann überschwänglich werden, aber die Lieder bleiben der Ausgangspunkt. „Revival“ lässt der Gospelenergie freien Lauf, während andere Passagen sanfter und kontemplativer sind.

Porter nutzt Liebe hier als etwas, das verschiedene Beziehungen umfasst: zwischen Partnern, Eltern und Kindern, Menschen untereinander und dem Glauben. Der Titel „All Rise“ suggeriert eine gemeinsame Bewegung nach oben. Das macht die Musik nicht sorglos. Die Überzeugung, dass sich etwas verbessern kann, gewinnt gerade dadurch an Gewicht, dass Rückschläge und Verlust nicht weggedrängt werden.

Wo „Liquid Spirit“ oft die Spannung innerhalb einer kleinen Besetzung spüren lässt, sucht „All Rise“ eine breitere Umgebung. Man hört, wie gut sich die Stimme zwischen größeren Arrangements behaupten kann. Das erkennbare Zentrum bleibt ein Sänger, der verständlich und nah sein will, auch wenn die Musik um ihn herum größer wird.

DIE TRADITION BLEIBT OFFEN.

Die Zusammenstellung „Still Rising“ von 2021 bringt neues Material, Favoriten und Zusammenarbeiten zusammen. 2023 folgt „Christmas Wish“, sein siebtes Studioalbum. Darauf stehen Saisonklassiker neben eigenen Songs, mit unter anderem Samara Joy als Gast. Es passt zu seinem Interesse für das Repertoire früherer Sänger und für das, was er selbst noch dazu beitragen kann.

Wer einen Zugang sucht, kann bei „Liquid Spirit“ beginnen und danach zu „Water“ zurückkehren. Der große Durchbruch macht das frühe Werk nicht überflüssig. Im Gegenteil: Man hört, wo die Kombination aus Jazz, Gospel und Soul bereits Form annimmt. Anschließend zeigt „Nat King Cole & Me“ die Wurzeln auf, während „All Rise“ zeigt, wie viel Raum noch darum herum entstehen kann.

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