DOPAMINKAMMER. (Fontaines D.C.)

NACH ROMANCE ÖFFNET SICH DIE TÜR NOCH WEITER.

Eine Band kann sich selbst einschränken, wenn sie zu früh beschließt, was ihr eigener Sound ist. Bei Fontaines D.C. schien diese Gefahr schon nach Dogrel zu bestehen. Die nervösen Gitarren, die vorwärtsdrängenden Rhythmen und Grian Chattens Akzent bildeten eine sofort erkennbare Kombination. Der Erfolg verschaffte dieser Kombination ein Publikum, aber auch Erwartungen. Wer 2019 glaubte, ein endgültiges Porträt der Gruppe zu hören, musste seine Einschätzung inzwischen viermal revidieren.

Dopamine Chamber erschien am 16. Oktober 2026 bei XL Recordings. Es ist der Nachfolger von Romance aus dem Jahr 2024 und wurde erneut von James Ford produziert. Die Rückkehr zum selben Produzenten bedeutet nicht, dass auch das Ergebnis genau dasselbe ist. Die Band nimmt die Freiheit des vorherigen Albums mit und fragt, was passiert, wenn ein Song weniger von einer vertrauten Gitarrenbesetzung abhängt. Die Stimme bleibt ein menschlicher Mittelpunkt in einer Umgebung, die sich weniger vertraut anfühlen darf.

Das ist eine wichtige Haltung beim Hören: Suche nicht nur danach, was verschwunden ist. Ein Synthesizer kann dieselbe antreibende Funktion übernehmen, die früher eine Gitarre hatte. Eine sorgfältig aufgebaute Aufnahme kann dieselbe Spannung in sich tragen wie fünf Menschen, die gemeinsam einen Raum unter Strom setzen. Das Instrument ist ein Mittel; die Beziehung zwischen Bewegung und Unruhe bildet den längeren roten Faden.

EIN PRODUZENT, DER NICHT ALLES GLATTBÜGELT.

Ford beschreibt seine Rolle als die eines Menschen, der zu verstehen versucht, was ein Künstler erreichen möchte, und anschließend dabei hilft, es festzuhalten. Seine technischen Möglichkeiten dienen dieser Ausrichtung. Bei Fontaines D.C. gehören dazu auch Meinungsverschiedenheiten. Fünf Menschen müssen nicht vom selben Geschmack ausgehen, um gemeinsam ein Album zu machen. Die Spannung zwischen ihren Ideen kann gerade bestimmen, wohin sich die Musik bewegt.

Ein konkretes Detail aus seinem Studio ist der ARP 2600. Ford nutzte diesen Synthesizer während der Fontaines-Sessions auch, um Gitarren darüber laufen zu lassen. Dadurch verschwimmt die scheinbar klare Grenze zwischen einer Gitarrenband und einem elektronischen Album. Der Ausgangspunkt eines Sounds sagt nicht automatisch etwas darüber aus, wie das Endergebnis klingt. Eine Saite kann eine Maschine steuern; eine Maschine kann die Unruhe eines Musikers bewahren.

Fürs Hören bedeutet das, dass die Produktion nicht bloß eine Schicht um die Songs herum ist. Sie bestimmt, welche Elemente näher rücken und welche auf Distanz bleiben. Ein Arrangement erzählt etwas, indem es Parts nebeneinanderstellt, aber auch, indem es sie ihre Gestalt verändern lässt. Die Frage ist weniger, wer gerade am lautesten spielt, sondern welcher Sound deine Aufmerksamkeit lenkt.

MARIANNE UND DER WUNSCH ZU VERSCHWINDEN.

Marianne war die erste Single. Chatten brachte den Song mit der Welt der Fernsehserie Ripley in Verbindung: italienische Bilder, eine angenommene Identität und die Möglichkeit, sich in einem Leben zu verlieren, das nicht das eigene ist. Das Interessante an dieser Inspiration ist keine Eins-zu-eins-Übertragung einer Filmszene. Es geht um die emotionale Anziehungskraft des Verschwindens.

Entkommen muss schließlich nicht ausschließlich beängstigend sein. Es kann wie Luxus, Freiheit oder eine Chance wirken, die Version seiner selbst zurückzulassen, die man satt hat. Gerade diese Anziehungskraft macht das Thema unangenehm. Würde ein Lied ausschließlich vor Ablenkung warnen, könnte der Hörer sicher außerhalb davon stehen. Eine verlockende Umgebung verkleinert diese Distanz: Man muss sich fragen, warum man selbst so gern darin bleibt.

Darin liegt die Spannung des Albumtitels. Ein Raum kann Schutz bieten, aber man kann darin auch festgehalten werden. Musik, die deine Stimmung verändert, kann einen Ausweg öffnen, ohne dass sich die Welt draußen tatsächlich verändert hat. Das Album muss diesen Unterschied dem Hörer nicht abnehmen. Es genügt, dass man beginnt, beide Möglichkeiten gleichzeitig wahrzunehmen.

AUCH DIE FORM IST EINE ENTSCHEIDUNG.

O’Connell erzählte, die Band habe bei diesen Aufnahmen bewusster herausgearbeitet, wie die Klänge aufeinander wirken. Weniger auf die Intensität einer einzelnen Darbietung zu vertrauen, schafft mehr Raum, einem Detail zuzuhören. Das ist kein Mangel an Energie, sondern eine andere Art zu bestimmen, wohin diese Energie fließt. Die Gruppe nahm in Suffolk auf, mit Ford als erneutem Partner.

Dieser Unterschied hilft auch, die Distanz zu Dogrel zu verstehen. Eine Aufnahme, die einen Auftritt festhält, lässt den Musiker und den Moment hören. Eine weiter ausgearbeitete Aufnahme lässt auch das Auswählen und Ordnen hörbar werden. Beides kann ehrlich sein. Der Maßstab ist nicht, wie viele Teile gleichzeitig im selben Raum standen, sondern ob die Form etwas deutlich macht, das sonst unausgesprochen geblieben wäre.

Auf der Tracklist steht Six Shot Morning am Anfang und Intimate ganz am Ende. Dazwischen liegen unter anderem Mimesis, Happy For You, Demolition, Tongue, One Man und Japan. Die Titel bewegen sich zwischen einer Person, einer Handlung und einem Ort. Man muss sie nicht zu einer einzigen Geschichte mit abschließender Lösung zusammenpressen. Die Reihenfolge des Albums gibt verschiedenen Gedanken die Möglichkeit, einander zu färben.

TONGUE: WAS BLEIBT VON EINER STIMME ÜBRIG?

Bei Tongue stellte Chatten eine Verbindung zwischen persönlicher Verwirrung und der öffentlichen Präsenz von Worten her. Was man sagt, kann viel weiter reisen, als man beabsichtigt, während gerade das Wichtigste unbemerkt bleibt. Das berührt eine vertraute Erfahrung: Sichtbar zu sein und verstanden zu werden sind zwei verschiedene Dinge. Eine Stimme kann überall ankommen, ohne dass sich der Mensch dahinter weniger allein fühlt.

In einem Album, das sich mit Ablenkung beschäftigt, ist das kein kleines Thema. Ablenkung ist nicht nur ein Bildschirm, auf den man länger schaut als geplant. Sie ist auch die Neigung, in den Reaktionen anderer nach einem klaren Bild von sich selbst zu suchen. Eine Band, die ein großes Publikum erreicht, befindet sich mitten in diesem Problem. Die Worte können immer weiter zirkulieren, während ihre Bedeutung weniger eindeutig wird.

Fontaines D.C. muss dafür nicht ständig ein direktes gesellschaftliches Statement singen. Die Frage kann auch in einer Figur oder einer befremdlichen Umgebung ihren Platz finden. Die Distanz zu einer wörtlichen Erklärung lässt dem Hörer Raum. Man muss nicht dasselbe Leben wie der Autor führen, um die Spannung zwischen einer eigenen Stimme und einem öffentlichen Bild zu erkennen.

WHERE IS GONE? MIT ROSALÍA.

Der achte Track bringt Rosalía ins Album. Eine solche Zusammenarbeit muss kein losgelöster Ausflug sein. Eine zweite Stimme verändert die Beziehung in einem Lied: Der erste Sänger muss nicht mehr jede Antwort und jeden Blickwinkel selbst tragen. Wo zuvor vor allem eine Perspektive stand, kann ein Gespräch entstehen. Das ist eine andere musikalische Möglichkeit, als zwei bekannte Namen nacheinander singen zu lassen.

Chatten verwies bei diesem Song auf das Therevox, ein Instrument, das mit dem Theremin verwandt ist. Es setzt den Streichern eine ungewöhnliche Klangfarbe entgegen. Der Kontrast bietet einen hilfreichen Einstieg: Etwas kann zugleich vertraut und unfassbar sein. Die emotionale Sprache der Streicher muss nicht verschwinden, wenn ein anderer Klang ihre Gewissheiten untergräbt.

Der Gastbeitrag steht nicht außerhalb der Bewegung des Albums. Wenn Musik untersucht, was menschlicher Kontakt in einer entfremdenden Welt noch bedeutet, kann eine andere Stimme mitten im Thema stehen. Gemeinsam zu singen ist dann nicht automatisch ein Trost. Es macht vor allem hörbar, dass mehr als eine Person denselben Raum erlebt.

DER WEG ZURÜCK NACH DUBLIN.

Wer Fontaines D.C. über dieses Album entdeckt, kann zu Dogrel, A Hero’s Death, Skinty Fia und Romance zurückgehen. Dieser Weg führt nicht einfach vom Kleinen zum Großen. Das Verhältnis zwischen Sprache, Rhythmus und Umgebung verändert sich jedes Mal. Eine Stadt kann das Thema sein; später kann die Distanz zu dieser Stadt zum Thema werden. Was zunächst ein vertrautes Zuhause bot, kann daraufhin eine Frage aufwerfen.

Deshalb ist es sinnvoller, die Alben nebeneinanderzustellen, als das neue Werk ausschließlich am Debüt zu messen. Die frühe Direktheit verschwindet nicht aus der Geschichte, nur weil ein neues Arrangement andere Mittel einsetzt. Sie wird zu einer der Möglichkeiten, über die die Band verfügt. Eine Neuerung muss das vorherige Album nicht für ungültig erklären, um notwendig zu sein.

Dopamine Chamber verlangt Aufmerksamkeit für diese Entwicklung und für den einzelnen Song. Das Album muss nicht ausschließlich als nächster Schritt einer Karriere gehört werden. Es gibt elf Songs, die auch ohne Kenntnis der vorherigen vier Alben eine eigene Welt bilden. Die Geschichte macht diese Welt reicher; sie darf keine Zugangsvoraussetzung werden.

DIE AUSGABE AUF DEINEM SJELF.

Die hier verlinkte schwarze LP hat die EAN 0191404167311; die farbige LP die EAN 0191404167304. Die CD hat die EAN 0191404167328. Diese Ausgaben gehören zum ursprünglichen Elf-Track-Album. Die Farbe der farbigen SJELF-Ausgabe wird vom Lieferanten nicht näher spezifiziert; ein Foto aus einem anderen Shop ist kein Grund, diese Farbe dennoch zu versprechen.

Im offiziellen Künstler-Shop gibt es außerdem eine Deluxe-Doppel-LP. Sie ist nicht dasselbe Produkt wie die hier angebotene Standard-LP. Auch die Kassette steht in unserem Katalog, ist derzeit jedoch ausverkauft. Preise und Bestellbarkeit ergeben sich aus den aktuellen Produktblöcken weiter unten. Die Geschichte bleibt beim Album; die Shop-Angaben bestimmen, welche Ausgabe du tatsächlich bestellen kannst.

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BILDNACHWEIS: Paul Hudson / Wikimedia Commons · Fontaines D.C. live, 27. November 2019 · CC BY 2.0 · Responsiv von SJELF zugeschnitten.

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