COCTEAU TWINS.

EINE STIMME, DIE DEN RAUM VERÄNDERT.

Bei den Cocteau Twins kann man eine Melodie verstehen, bevor man die Worte versteht. Elizabeth Fraser singt nicht einfach nur über den Instrumenten; ihre Stimme verändert deren Bedeutung. Ein Gitarren-Riff, das zunächst kühl und scharf klingt, kann unter einer hohen Gesangslinie plötzlich weich werden. Wenn sie einen Vokal langzieht, entsteht ein zweiter Rhythmus neben der Begleitung. Es ist Musik, in der das Ohr ständig wählt, wo es verweilen möchte: bei einem erkennbaren Refrain, einer untergründigen Bassbewegung oder einem Klang, der erst beim nächsten Hören in den Vordergrund tritt.

Das macht die Band so einladend, um sie über mehrere Alben hinweg zu verfolgen. Die Stimme von Fraser und die Gitarrenwelt von Robin Guthrie bleiben wiedererkennbar, aber jede Platte gliedert den Raum anders. Auf Treasure bildet Simon Raymonde mit seinem Bass eine dritte Richtung innerhalb dieser Welt. Die Songs haben eine klare Form, ohne dass sich alle Bestandteile einem einfachen Muster unterwerfen. Man muss die Musik daher nicht erst entschlüsseln. Hören Sie darauf, was eine Phrase bewirkt, wie sie zurückkehrt und wie die Begleitung ihr bei der nächsten Wiederholung ein anderes Licht verleiht.

GARLANDS UND HEAD OVER HEELS: DIE KANTEN BLEIBEN SCHARF.

Das Debüt Garlands erschien 1982. In Nummern wie Blood Bitch und Wax and Wane steht der Gesang einer straffen, dunklen Umgebung gegenüber. Die Gitarre hat raue Kanten und die rhythmische Wiederholung kann fast zwingend wirken. Fraser sucht darin keinen ordentlichen, abgemessenen Platz. Ihre Stimme zerrt an den Konturen des Songs und lässt hören, wie viel Bewegung möglich ist, wenn die Begleitung gerade stehen bleibt. Dieses Spannungsfeld macht das frühe Werk interessant, auch wenn man die Band erst durch spätere, sanftere Platten kennengelernt hat.

Auf Head Over Heels von 1983 wird die Welt weiter. Sugar Hiccup lässt eine Melodie durch eine dichte Umgebung wandern, während When Mama Was Moth einen anderen, unruhigeren Zugang bietet. Achten Sie besonders auf das Verhältnis zwischen Vorder- und Hintergrund. Ein Effekt ist hier keine Verzierung, die man einfach vom Song trennen kann. Das Echo, die Dauer eines Tons und die Überlagerung zwischen Gitarre und Stimme helfen dabei zu bestimmen, wo eine Melodie beginnt und wie lange sie nachhallt.

TREASURE: ZEHN SONGS MIT EIGENEM GEWICHT.

Auf Treasure aus dem Jahr 1984 hören Sie Fraser, Guthrie und Raymonde gemeinsam. Der Bass verleiht den Songs eine Richtung, die nicht nur von Gitarre und Gesang abhängt. Ivo eröffnet das Album mit einer lebendigen Bewegung; Lorelei lässt danach hören, wie unmittelbar diese Musik sein kann. Die Melodie muss nicht erst aus den Klangschichten ausgegraben werden. Sie ist bereits da, erhält aber Begleitung durch Elemente, die Ihre Aufmerksamkeit immer wieder woanders hinlenken.

Die zehn Stücke haben jedes eine eigene Dimension. Beatrix und Otterley verlangen eine andere Art von Aufmerksamkeit als Lorelei oder Persephone. Dadurch wird Treasure mehr als nur eine Sammlung gleichartiger Atmosphären. Die Platte wechselt zwischen Drang und Zurückhaltung und gibt dem Abschlussstück Donimo Raum, sich weiter zu entfalten. In unserer Album Story zu Treasure verfolgen wir diesen Weg genauer. Legen Sie die Songs einmal in der ursprünglichen Reihenfolge auf und hören Sie auf die Veränderung zwischen zwei Nummern, nicht nur auf das, was innerhalb eines einzelnen Stücks geschieht.

VICTORIALAND: WAS ÜBRIG BLEIBT, WENN DER DRUCK NACHLÄSST.

Für Victorialand von 1986 arbeiteten Fraser und Guthrie ohne Raymonde; Richard Thomas steuerte Saxophon und Tabla bei. Das Album zeigt ein anderes Verhältnis zwischen Stimme und Begleitung. Lazy Calm gibt den Klängen viel Zeit, sich zu entfalten. Die Musik muss weniger nachdrücklich nach vorne drängen, wodurch kleine Veränderungen in Ton und Atem mehr Gewicht erhalten. Ein Hörer, der vor allem die großen Refrains kennt, entdeckt hier, wie kraftvoll dieselben Stimmen sein können, wenn die Umgebung zurückhaltender wird.

Es lohnt sich, diese LP neben Treasure zu legen, ohne daraus einen Wettbewerb zu machen. Auf der einen Platte sorgt das Zusammenspiel für verschiedene Bewegungen gleichzeitig, auf der anderen erhalten die offenen Stellen mehr Bedeutung. Auch hier ist die Beachtung der Reihenfolge nützlich. Die Songs sind kein willkürlicher Hintergrund für eine Stimmung. Eine Verschiebung in Dichte oder Ton verändert, wie das folgende Stück wirkt. Wer mit voller Aufmerksamkeit hört, merkt, dass Stille und Ausklang genauso bestimmend sein können wie ein neues Instrument.

VON HEAVEN OR LAS VEGAS BIS FOUR-CALENDAR CAFÉ.

Heaven or Las Vegas aus dem Jahr 1990 bietet einen klaren Zugang zur Band. Cherry-coloured Funk und Iceblink Luck lassen hören, wie leicht eine Melodie einen mitreißen kann, während unter dieser Melodie viel geschieht. Die Gitarrenlinien verleihen Glanz, aber die Songs behalten auch ihren rhythmischen Halt. Das Besondere liegt in dieser Kombination: Man kann sich unmittelbar auf die Musik einlassen und gleichzeitig entdecken, wo eine zweite Stimme oder eine kleine instrumentale Bewegung den ersten Eindruck verändert.

Auf Four-Calendar Café von 1993 klingt eine andere Nähe an. Evangeline und Bluebeard geben wiedererkennbaren Gesangslinien eine Umgebung, in der man kleineren Gesten folgen kann. Fraser bleibt eine Sängerin, die die Form eines Wortes verschieben kann, aber ihre Phrasen können auch sehr direkt wirken. Versuchen Sie nicht, jeden Song auf eine einzige Bedeutung festzulegen. Was eine Stimme ausdrückt, liegt auch im Übergang zwischen Spannung und Entspannung, in der Platzierung eines Atems und in der Art und Weise, wie eine Zeile zurückkehrt.