ARCTIC MONKEYS.

Die ersten Sekunden von ‚I Bet You Look Good on the Dancefloor‘ scheinen keinen Aufschub zu dulden. Gitarren setzen ein, die Drums treiben voran und Alex Turner singt, als wäre das Gespräch sonst gleich schon wieder vorbei. Jahre später lässt ‚There'd Better Be a Mirrorball‘ einen ganz anderen Raum entstehen: bedächtig, mit Streichern und einer Stimme, die die Worte nachhallen lässt. Es sind keine zwei zufälligen Bands. Es sind Arctic Monkeys, die immer wieder nach einer neuen Art suchen, dieselbe Schärfe zum Ausdruck zu bringen. Erkunden Sie mehr bei SJELF: Alternative Rock · AM auf Vinyl · The Car auf Vinyl · Favourite Worst Nightmare auf Vinyl.

SHEFFIELD, HAUTNAH.

Arctic Monkeys beginnt 2002 im Umfeld von Freunden in Sheffield. Alex Turner, Jamie Cook, Matt Helders und Bassist Andy Nicholson finden zusammen in einer Musik, die unmittelbar funktionieren muss. Die frühen Lieder beobachten das Nachtleben, die Gespräche und die kleinen sozialen Reibereien in ihrer Umgebung. Turner besingt keine unerreichbare Welt. Er hört, wie Menschen sich wichtiger machen, wie ein Abend umschlagen kann und wie viel ein kurzer Kommentar verrät. Sein Akzent und seine Formulierungen gehören zur Rhythmik der Songs.

Die Bekanntheit wächst schon vor Erscheinen des Debütalbums. Demos gehen von Hand zu Hand und werden von den Hörern weiterverbreitet. Diese frühe Internet-Geschichte ist oft zum wichtigsten Label geworden, aber die Lieder haben mehr zu bieten als einen neuen Verbreitungsweg. Sie stecken voller scharfer Übergänge und kleiner Szenen. Die Band klingt gleichzeitig kantig und tanzbar, auch weil Helders so viel Bewegung in einen Takt legt, ohne die Richtung zu verlieren. Die Musik hat es eilig, ist aber nicht unbedacht.

Whatever People Say I Am, That's What I'm Not erscheint 2006. Der lange Titel passt zu einem Debüt, das seine eigene Stimme bewahren will. ‚The View from the Afternoon‘ gibt den Ton an mit einer Rhythmusgruppe, die ständig antreibt. ‚When the Sun Goes Down‘ wandelt sich von einem fast erzählerischen Auftakt in eine weitaus heftigere Darbietung. Und in ‚A Certain Romance‘ findet die Band am Ende Raum für einen Blick, der weniger einfach ist als nur Spott oder Abneigung. Die Umgebung bleibt auch ein Ort, an dem Menschen zusammengehören.

SCHNELLER, ABER AUCH DUNKELR.

Im Jahr 2006 verlässt Nicholson die Band und Nick O'Malley wird der feste Bassist. Mit Turner, Cook und Helders bildet er das Quartett, das die folgenden Alben aufnimmt. Favourite Worst Nightmare folgt 2007 und verschwendet wenig Zeit. ‚Brianstorm‘ hat ein unruhiges, fast muskulöses Tempo; die Instrumente scheinen sich ständig gegenseitig auf den Fersen zu sein. Dennoch kann dieselbe Platte in ‚505‘ langsam Spannung aufbauen. Die Gruppe beginnt immer besser zu verstehen, wie viel Effekt eine aufgeschobene Eruption hat.

Das ist ein wichtiger Teil ihrer Entwicklung. Arctic Monkeys wird nicht ausschließlich durch zusätzliche Instrumente oder kompliziertere Arrangements interessanter. Der Platz einer Stille verändert bereits viel. Eine Basslinie, die stehen bleibt, während der Gesang sich bewegt, erzeugt einen anderen Druck als eine Gitarre, die jeden Takt ausfüllt. Auf dem zweiten Album hört man eine Band, die die Unmittelbarkeit des Debüts bewahrt und gleichzeitig weniger vorhersehbar mit dem Weg zum Refrain umgeht.

Humbug von 2009 lässt dann mehr Schatten zu. Die Zusammenarbeit mit Josh Homme, neben Produzent James Ford, gehört zu diesem Umschwung. Gitarren können zäher klingen, Rhythmen bekommen mehr Gewicht und die Texte bewegen sich weiter weg von einem direkten Bericht eines Abends. ‚Crying Lightning‘ hat eine gewundene Spannung; ‚Cornerstone‘ nutzt hingegen eine klare Melodie, um eine unbehagliche Geschichte zu tragen. Turner beobachtet weiterhin, aber die Kamera steht nicht mehr automatisch an derselben Straßenecke.

MELODIE UND GROOVE BEKOMMEN RAUM.

Wer Humbug als endgültiges Ziel sah, bekommt mit Suck It and See im Jahr 2011 schon wieder ein anderes Bild. Die Melodien treten deutlicher hervor und einige Gitarren bekommen einen helleren Glanz. Gleichzeitig behält ‚Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair‘ eine feste, schwere Basis. Diese Kombination ist bezeichnend: Die Band macht selten einen kompletten Schnitt zwischen zwei Platten. Frühere Spielweisen bleiben präsent, bekommen aber einen anderen Platz im Ganzen.

Mit AM aus dem Jahr 2013 wird Groove zum Bindemittel. Das Riff von ‚Do I Wanna Know?‘ muss nicht schnell sein, um den Song voranzutreiben. Es kehrt immer wieder zurück, während Gesang, Hintergrundstimmen und Drums die Spannung verschieben. ‚R U Mine?‘ wählt einen direkteren Antrieb. ‚Why'd You Only Call Me When You're High?‘ lässt die Rhythmusgruppe hingegen vergleichsweise wenig tun und erzielt genau dadurch viel Wirkung. Die Instrumente stehen weiter auseinander als auf dem Debüt; die Leere ist Teil des Arrangements.

Turners Gesang verändert sich mit. Er kann eine Zeile dichter an den Takt legen oder dahinter zurückbleiben. Die hohen Hintergrundstimmen geben manchen Songs eine sanfte Gegenfarbe zur dunklen Gitarrenbasis. Das macht AM wiedererkennbar, ohne dass jeder Song dieselbe Form braucht. Die Platte fühlt sich an wie eine Reihe nächtlicher Szenen mit verwandter Beleuchtung. Man erkennt das Zimmer, aber nicht jedes Gespräch, das dort stattfindet. Gerade dieser Zusammenhalt macht das Album stärker als eine Sammlung einzelner großer Songs.

EIN HOTEL, IN DEM DIE ZEIT ANDERS LÄUFT.

Nach AM wäre eine Fortsetzung mit denselben Riffs naheliegend gewesen. Tranquility Base Hotel & Casino von 2018 wählt einen merkwürdigeren Weg. Klavier und Tasteninstrumente erhalten eine größere Rolle, Turner nimmt eine lockerere erzählerische Haltung ein und das imaginäre Mondhotel bietet eine Kulisse für schräge Beobachtungen. Die Musik verlangt mehr Geduld. Eine Zeile muss nicht sofort einen Refrain ankündigen; manchmal verharrt ein Arrangement gerade in dem Moment, in dem man einen Ausbruch erwartet.

Die Band verschwindet dabei nicht hinter dem Sänger. O'Malleys Bass und Helders' Drums bestimmen, wie sehr ein Song schweben kann, ohne seinen Untergrund zu verlieren. Cook nutzt die Gitarre als Farbe und Gegenstimme. Hören Sie sich ‚Four Out of Five‘ an: Unter der theatralischen Präsentation bleibt die Musik sorgfältig in Bewegung. Es ist einfach, nur auf die seltsamen Bilder und die veränderte Stimme zu achten. Aber das Quartett macht diese andere Welt gemeinsam glaubwürdig, gerade weil es nicht ständig die Aufmerksamkeit auf jedes einzelne Instrument lenkt.

Auch für diejenigen, die die frühe Energie vermissen, ist es interessant, diese Platte neben das Debüt zu stellen. Die Geschwindigkeit ist anders, die Kulisse auch, aber Turners Aufmerksamkeit für Verhalten bleibt. Früher konnte ein Kommentar einen ganzen Abend charakterisieren; hier können beiläufige Sätze eine größere Entfremdung heraufbeschwören. Die Musik lässt einen nicht mehr auf genau dieselbe Weise nahe herankommen. Dieser Unterschied gehört zur Anziehungskraft wie auch zur Diskussion um diese Band: Jede neue Platte kann eine andere Haltung beim Hören verlangen.

THE CAR WÄHLT DAS DETAIL.

The Car erscheint im Oktober 2022 als siebtes Studioalbum. James Ford produziert die zehn neuen Songs. Streicher machen den Klang weitläufiger, aber die Platte setzt nicht ständig auf große Gesten. ‚There'd Better Be a Mirrorball‘ hält viel zurück; ‚Body Paint‘ kann sich aus einer beherrschten Eröffnung heraus zu einer kräftigeren Banddarbietung entwickeln. In ‚I Ain't Quite Where I Think I Am‘ bekommt die rhythmische Unterlage eine andere Geschmeidigkeit. Die Songs sind unterschiedlich, teilen aber ein Augenmerk auf das, was zwischen den deutlichen Akzenten geschieht.

Das Schöne ist, wie die Arrangements Raum für Unsicherheit lassen. Eine Stimme kann kurz allein stehen, woraufhin ein Instrument die Perspektive verschiebt. Streicher bedeuten hier nicht automatisch, dass jedes Gefühl unterstrichen wird. Manchmal machen sie eine Szene gerade schwerer greifbar. Arctic Monkeys nutzen die größere Klangwelt zur Nuancierung. Wer nur auf ein vertrautes Riff wartet, verpasst einen Teil dessen, was währenddessen im Hintergrund erzählt wird.

Im Jahr 2026 liefert die Gruppe ‚Opening Night‘ für HELP(2), das gemeinsame Benefizalbum für War Child, das am 6. März erscheint. Das ist ein neuer Beitrag der Band, aber kein achtes eigenes Studioalbum. Die Unterscheidung ist relevant bei einem Katalog, in dem auch Live-Aufnahmen und einzelne Veröffentlichungen kursieren. Die sieben Studioalben bilden darunter die durchgehende Route; so bleibt sichtbar, wie jede vollwertige Platte eine eigene musikalische Umgebung eröffnet.

EINE SACHE, DIE SIE NOCH NICHT WUSSTEN.

Das Foto auf dem Cover von The Car wurde von Schlagzeuger Matt Helders gemacht. Das Bild existierte bereits, bevor es zum Albumcover wurde. In Interviews erzählt die Band, wie dieses Foto anschließend Einfluss auf Turners Ideen für die Platte nahm. Helders liefert hier also nicht nur Rhythmus: Ein Blick durch seine Kamera hilft auch, die Kulisse des Albums zu bestimmen.

SIEBEN PLATTEN, MEHRERE EINGÄNGE.

Auf Vinyl lässt sich die Entwicklung gut in einzelnen Schritten verfolgen. Das Debüt legt den Schwerpunkt auf Tempo und Beobachtung, Humbug auf Spannung und AM auf kohärente Grooves. Die zwei späteren Platten fordern Aufmerksamkeit für Phrasierung und Farbe. Es gibt keinen verpflichtenden Endpunkt, an dem man die Band am besten finden sollte. Wählen Sie einen Eingang und hören Sie danach eine andere Periode. Das macht die Veränderungen konkreter als eine Diskussion darüber, welche Version der Arctic Monkeys die echte wäre.

Besuchen Sie die Künstlerseite von Arctic Monkeys für Vinyl-Ausgaben und mehr zum Entdecken. Entdecken Sie den musikalischen Kontext unter INDIE ROCK..