THE ROLLING STONES.

LONDRES, 1962 : D’ABORD VIENNENT LES DISQUES.

Les Rolling Stones se forment en 1962 à Londres, dans un environnement où de jeunes musiciens étudient presque comme une nouvelle langue les disques de blues et de rhythm and blues américains. Mick Jagger et Keith Richards se connaissent de Dartford. Leur amour commun pour cette musique les réunit sur la scène londonienne, où ils rencontrent le guitariste Brian Jones. Jones et le pianiste Ian Stewart jouent un rôle important dans la formation initiale du groupe. Au début, il s’agit de jouer, d’apprendre et de faire évoluer la musique qui les a séduits.

Bill Wyman et Charlie Watts complètent ensuite la formation telle que beaucoup de gens la connaissent depuis les premiers disques. Jagger chante, Richards et Jones jouent de la guitare, Wyman assure la basse et Watts la batterie. Stewart reste étroitement lié au groupe en tant que pianiste et confident, même après avoir quitté la formation officielle. Les racines restent audibles : Chuck Berry à la guitare, Muddy Waters dans le blues et un amour pour la musique noire américaine qui ouvre sans cesse de nouvelles portes.

UN GROUPE QUI NE FAIT PAS TOUT EN MÊME TEMPS.

Sur le disque de 1964, cet amour est immédiatement audible. Les chansons sont souvent des réinterprétations de morceaux existants, jouées avec peu d’espace entre les musiciens. Jagger intègre son harmonica et sa voix à la même conversation. La guitare n’a pas besoin de dresser un grand rideau sonore ; un court motif suffit à faire basculer un couplet. Les jeunes Stones sont pressés, mais leur musique tourne tout autant autour du moment où ils laissent de la place à un autre instrument.

SATISFACTION FAIT D’UN RIFF UN MONDE.

Avec (I Can’t Get No) Satisfaction en 1965, l’écriture originale acquiert un son qui n’a presque pas besoin d’explication. Cette ligne de guitare granuleuse et répétée fait bien plus que servir d’introduction. Elle continue de faire avancer le morceau, comme une pensée qui refuse d’être écartée. La voix de Jagger tourne autour avec impatience. La distance entre les simples éléments musicaux et l’effet immense est presque comique : tant de reconnaissance à partir de si peu de matière.

Jagger et Richards deviennent un duo d’auteurs capable de capturer une attitude dans une chanson sans avoir à l’expliquer au préalable. Un riff donne le corps au morceau, une ligne vocale détermine comment il se comporte. Pourtant, les Stones ne deviennent pas exclusivement une usine à hooks de guitare. Tandis que les singles deviennent plus grands, leur curiosité pour d’autres sonorités persiste. L’étape suivante n’est donc pas une répétition plus forte de leur succès, mais un élargissement de ce qu’un disque des Stones peut contenir.

BRIAN JONES OUVRE LA BOÎTE À SONORITÉS.

Aftermath, sorti en 1966, est le premier album des Stones entièrement composé de morceaux écrits par Jagger et Richards. En même temps, il montre clairement à quel point Brian Jones enrichit la palette de couleurs. Sur Under My Thumb, le marimba apporte un mouvement léger, presque bondissant ; Lady Jane acquiert avec le dulcimer une atmosphère beaucoup plus ancienne, plus silencieuse. La version américaine de l’album s’ouvre sur Paint It, Black, dans laquelle la sitar de Jones rend l’inquiétude immédiatement perceptible.

Ces expérimentations se poursuivent sur Between the Buttons et Their Satanic Majesties Request, tous deux parus en 1967. Ce dernier disque montre surtout un groupe qui utilise le studio comme espace de jeu. Écoutez sur She’s a Rainbow comment le piano prend le morceau par la main. C’est une autre entrée que le célèbre riff de guitare, mais l’attrait est comparable : une seule idée musicale détermine immédiatement le caractère. L’histoire des Stones contient plus de couleurs que du cuir noir et des amplis.

BEGGARS BANQUET RETROUVE LA TERRE.

Sur Beggars Banquet, sorti en 1968, les contours redeviennent plus terre-à-terre. Les guitares acoustiques, la percussion et les influences blues occupent une place centrale. Cela ne signifie pas que le groupe commence à penser plus simplement. Sympathy for the Devil construit sa tension avec un mouvement continu, dans lequel le piano, la basse et les voix prennent progressivement plus de poids. Le morceau n’a presque pas besoin de changer de cap pour sonner de plus en plus menaçant. La répétition devient un moteur.

Street Fighting Man a une attaque tout autre : compacte, brute et immédiate. Ailleurs sur le disque, les Stones sonnent presque comme des musiciens assis tout près les uns des autres autour d’une table. Cette interaction rend l’album si fort. Le grand geste gagne en conviction parce qu’il existe aussi de petits gestes. Le groupe s’avère non seulement doué pour provoquer, mais aussi pour construire un univers d’écoute complet. Cette capacité donnera aux disques des années suivantes leur cohérence.

1969 : DE LA MUSIQUE AUX OMBRES.

Le départ puis la mort de Brian Jones en 1969 changent radicalement le groupe. Le guitariste Mick Taylor rejoint l’équipe, venant du cercle de John Mayall. Sur Let It Bleed, les contributions de Jones et Taylor sont encore limitées ; Keith Richards assure l’essentiel du travail de guitare. Le disque sonne comme un groupe qui avance tout en étant sous tension. Ce sentiment est audible sans avoir besoin de connaître chaque détail biographique.

Gimme Shelter s’ouvre sur une guitare qui semble presque flotter au-dessus du sol. Lorsque la voix et la batterie entrent, ce flottement devient une menace. La voix puissante de Merry Clayton rend le morceau encore plus poignant. De l’autre côté de l’album se trouve You Can’t Always Get What You Want, qui cherche un autre genre de grandeur avec des chœurs et une construction ample. Le désastreux concert d’Altamont plus tard cette année fait partie de cette histoire, mais la musique mérite plus que le seul rôle de bande-son d’un rêve effondré.

STICKY FINGERS : DE LA PLACE POUR MICK TAYLOR.

Sticky Fingers paraît en 1971 comme le premier album sur leur propre label Rolling Stones Records. Le disque montre un groupe capable de combiner avec brio souplesse et précision. Les lignes de guitare de Mick Taylor apportent une qualité fluide aux côtés de la signature rythmique de Richards. Can’t You Hear Me Knocking commence par une entrée angulaire puis se retrouve dans un espace instrumental beaucoup plus libre. Le plaisir réside dans le changement : le même groupe s’avère capable, en quelques minutes, d’adopter une autre attitude.

Les morceaux plus doux donnent à l’album sa profondeur. Wild Horses n’a pas besoin d’une grande démonstration de force ; la mélodie et la façon dont les mots sont posés portent l’émotion. Moonlight Mile grandit lentement, avec une magnifique tension entre proximité et espace. De ce fait, Sticky Fingers devient plus qu’une collection de morceaux forts. Il montre comment les Stones peuvent faire respirer un disque complet, d’une attaque de guitare dure à une fin qui reste encore un moment dans la pièce.

EXILE ON MAIN ST. VEUT QUE VOUS RESTIEZ.

Le double album Exile on Main St. de 1972 possède un autre attrait. Là où Sticky Fingers sonne régulièrement avec des contours nets, les bords se chevauchent ici plus souvent. Les guitares, le piano, les cuivres et la voix semblent parfois presque se disputer la même chaise. Des parties de l’album sont nées en France, d’autres prises et finitions ailleurs ; la célèbre histoire d’un sous-sol français n’est donc qu’une partie de la réalité. Ce qui compte, c’est le résultat : une musique qui conserve sa vivacité désordonnée.

Tumbling Dice montre à quel point cela peut fonctionner de manière détendue. Le groove berce, la voix n’a pas besoin d’être parfaitement droite partout et les voix d’arrière-plan donnent au refrain un éclat naturel. À d’autres moments, le disque devient plus sombre, plus rugueux ou au contraire presque réconfortant. Quatre faces de disque donnent à ces changements l’espace nécessaire. Vous n’avez pas besoin de comprendre Exile immédiatement. C’est justement un album où, lors d’une écoute suivante, une ligne de piano ou une voix d’arrière-plan peut soudainement devenir beaucoup plus importante que la fois précédente.

LE GROUPE CHANGE, LA CONVERSATION CONTINUE.

Après Goats Head Soup de 1973 et It’s Only Rock ’n Roll de 1974, Mick Taylor quitte le groupe. Ronnie Wood, connu pour Faces, devient son successeur. Cela apporte un autre type de relation à la guitare. Là où Taylor plaçait souvent de longues lignes mélodiques face à la base rythmique, l’interaction entre Wood et Richards ressemble régulièrement à une conversation faite de phrases courtes. L’un pose quelque chose, l’autre le déplace un peu ou laisse délibérément une ouverture.

Black and Blue de 1976 est un bon endroit pour entendre ce mouvement vers le groove. Le disque laisse beaucoup de place au funk et à la reggae et montre clairement que les Stones ne sont pas exclusivement attachés à une seule formule rock. Parfois, l’attrait réside moins dans un refrain abouti que dans le mouvement continu du groupe. C’est aussi une autre façon d’écouter la musique de guitare : ne pas attendre le grand solo, mais prêter attention à ce que deux guitares créent ensemble avec la basse et la batterie.

SOME GIRLS OUVRE LES FENÊTRES SUR NEW YORK.

En 1978, Some Girls sonne vivant, incisif et mobile. Miss You prend la piste de danse au sérieux sans perdre la personnalité du groupe. La basse possède une force d’attraction importante, la batterie reste assez légère pour laisser le rythme rebondir et Jagger joue avec l’espace au-dessus du groove. C’est un morceau des Stones qui sait très bien qu’en dehors de sa propre tradition, d’autres musiques résonnent dans la ville.

En même temps, Shattered transperce le disque d’une énergie nerveuse et Beast of Burden montre à quel point une interaction calme peut être séduisante. Dans ce dernier morceau, presque chaque mouvement de guitare trouve une réponse. Personne ne semble se presser de conclure la conversation. Ainsi, Some Girls relie une approche directe, parfois abrasive, au savoir-faire d’un groupe qui joue ensemble depuis longtemps. De nouvelles influences trouvent leur place dans une relation musicale existante, faisant du disque bien plus qu’une tentative de rester à la page.

TATTOO YOU ET LES DEUX FACES D’UN DISQUE.

Emotional Rescue de 1980 maintient l’intérêt pour les rythmes dansants. Un an plus tard suit Tattoo You, en partie construit à partir de matériel enregistré précédemment qui est davantage développé. Cela prouve que la valeur d’un enregistrement ne dépend pas uniquement du moment où il est créé. La composition, la finition et la place à côté d’autres morceaux peuvent créer une nouvelle unité. Start Me Up y joue le rôle d’une porte immédiatement reconnaissable qui s’ouvre en grand.

Mais tournez le vinyle original et la température change. La deuxième face montre un groupe beaucoup plus calme. Waiting on a Friend, avec le saxophone de Sonny Rollins, possède une humanité détendue qui est loin de l’image caricaturale d’une éternelle insolence. Ce sont précisément ces deux facettes qui rendent Tattoo You intéressant sur vinyle. L’action de tourner le disque coïncide avec un autre état d’esprit. Vous remarquez à quel point l’ordre est important pour la façon dont un album raconte son histoire.

LES ANNÉES 80 ET 90 NE SONT PAS UNE NOTE DE BAS DE PAGE.

Avec Undercover et Dirty Work, le groupe cherche dans les années 80 de nouvelles sonorités de production, tandis que la collaboration entre les membres ne se déroule pas toujours sans accroc. Ces disques sonnent différemment du matériel qui a forgé la réputation classique du groupe. Ils ont le droit de conserver cette différence. Une carrière de cette longueur ne se compose pas d’une série ininterrompue de chefs-d’œuvre tous accordés sur la même tonalité, mais de musiciens qui choisissent parfois la même direction et parfois veulent des choses différentes.

Steel Wheels de 1989 redonne au groupe une direction commune claire. S’ensuivent Voodoo Lounge en 1994 et Bridges to Babylon en 1997. Les concerts deviennent de grandes productions internationales, tandis que les morceaux reposent toujours sur des éléments familiers. Bill Wyman quitte la formation fixe ; Darryl Jones devient un bassiste important dans la suite de l’histoire. La distinction entre les membres officiels du groupe et les musiciens qui les entourent ne diminue en rien l’importance audible de ces contributions.

DE BLUE & LONESOME À UN NOUVEAU CHAPITRE.

A Bigger Bang paraît en 2005. Avec Blue & Lonesome, les Stones reviennent ensuite de manière marquée au répertoire blues d’autres artistes en 2016. Cela crée un bel écho avec le début. Après tous les morceaux originaux et les productions colossales, il s’agit à nouveau de musiciens qui mettent leur touche sur une musique familière. L’harmonica trouve de l’espace, la voix peut être brute et le groupe n’a pas besoin de présenter une nouvelle invention pour sonner de manière convaincante.

Le décès de Charlie Watts en 2021 signifie la perte d’un élément essentiel de ce son. Steve Jordan prend la place derrière la batterie. Sur Hackney Diamonds de 2023, on peut encore entendre des enregistrements avec Watts, aux côtés du travail de la formation renouvelée. L’album réunit également des invités, parmi lesquels Lady Gaga, Stevie Wonder et Paul McCartney. Pourtant, la question la plus importante reste la même que pour un premier single : la voix, la guitare et le rythme fonctionnent-ils ensemble pour créer quelque chose qui se met immédiatement en mouvement ?

MÊME EN 2026, LE DISQUE CONTINUE.

Le 10 juillet 2026 paraît Foreign Tongues. Avec quatorze morceaux, l’album ajoute un nouveau chapitre à l’histoire du studio, moins de trois ans après Hackney Diamonds. Un titre comme Jealous Lover souligne à nouveau le lien avec le R&B. Les crédits officiels mentionnent, en plus de Jagger, Richards et Wood, Darryl Jones, Steve Jordan et Steve Winwood. L’interaction familière est toujours complétée par des personnes qui apportent leur propre couleur musicale.

La durée de cette carrière est impressionnante, mais elle ne constitue en soi aucune raison de mettre un disque. Pour cela, la musique doit faire quelque chose : faire atterrir un refrain, faire grincer une ligne de guitare, faire rebondir un rythme. C’est une façon plus juste d’aborder les Stones de la fin que de comparer chaque nouveau morceau exclusivement à Satisfaction. Vous pouvez connaître l’histoire et écouter en même temps ce qui se passe maintenant. Un catalogue n’a pas besoin de devenir un monument clos tant que de nouveaux enregistrements s’y ajoutent.

Consultez la page de l’artiste Rolling Stones pour découvrir les éditions vinyles et bien plus encore. Découvrez le contexte musical dans ROCK..

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