A LOVE SUPREME. (John Coltrane)

La basse joue quatre notes. Vous pouvez presque les retenir immédiatement. Autour de ce petit mouvement, le piano, la batterie et le saxophone entament une conversation qui durera tout l'album. Sur A Love Supreme, John Coltrane n'a pas besoin de poser un thème élaboré pour ouvrir un monde. Jimmy Garrison lui donne quelques tons et un point fixe. Tout ce qui se passe ensuite peut s'y rapporter.

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Il y a de la sérénité dans ce début, mais aussi de l'attente. Le gong a déjà ouvert l'espace, les cymbales continuent de bouger et le ténor de Coltrane semble essayer de formuler quelque chose qui ne tient pas encore en une phrase. C'est une bonne façon d'entrer dans cet album : écoutez d'abord ce que vous entendez. L'histoire et les significations viendront ensuite.

AU-DELÀ DES PREMIERS GRANDS PAS.

Lorsque Coltrane a enregistré cette musique en décembre 1964, il avait déjà vécu plusieurs vies en tant que musicien. Il avait joué avec Miles Davis et Thelonious Monk, exploré les mouvements d'accords complexes de Giant Steps et transformé avec My Favorite Things une célèbre chanson de théâtre en une longue aventure circulaire. Son intérêt se tournait de plus en plus vers les possibilités au sein d'un son, d'un motif ou d'une zone harmonique tenue plus longtemps.

Cela ne signifiait pas que la mélodie disparaissait. Chez Impulse!, il avait également enregistré des ballades et collaboré avec Duke Ellington et le chanteur Johnny Hartman. La tendresse et la férocité faisaient partie de la même quête. Sur A Love Supreme, ces facettes se rapprochent : une phrase simple peut offrir un point d'ancrage, tandis que la façon dont il la joue change constamment.

UN REMERCIEMENT DEVENU MUSIQUE.

Coltrane a lui-même écrit les explications de l'album. Il y revenait sur un éveil spirituel en 1957 et décrivait son désir de donner quelque chose de bon aux gens par la musique. Il présentait l'album comme un remerciement à Dieu. Ce point de départ personnel n'est donc pas séparé de l'enregistrement ; il fait partie de la façon dont il a expliqué l'œuvre à ses auditeurs.

Les quatre titres donnent une direction à la suite : reconnaissance, décision, poursuite de celle-ci et finalement un psaume. Ce sont des mots qui suggèrent le mouvement. Coltrane ne nous fait pas entendre une conclusion fermée, mais un chemin vers quelque chose. Cela laisse également de la place pour quelqu'un qui ne partage pas cette conviction religieuse. La concentration, le doute, la persévérance et la gratitude sont reconnaissables dans le son sans que vous ayez besoin de souscrire à une profession de foi au préalable.

QUATRE PERSONNES DANS LE MÊME ESPACE.

La suite originale a été enregistrée le 9 décembre 1964 dans le studio de Rudy Van Gelder à Englewood Cliffs, New Jersey. Bob Thiele a produit. Coltrane jouait du saxophone ténor, McCoy Tyner du piano, Jimmy Garrison de la contrebasse et Elvin Jones de la batterie. Cette formation est connue comme son quartet classique. Il est important de les nommer tous les quatre : cette musique tire sa force de leurs interactions mutuelles.

Tyner pose des accords avec du poids. Ils peuvent être courts et puissants, mais l'espace entre eux reste audible. Garrison donne à la musique un fond qui ne devient pas rigide. Jones éparpille des accents autour du rythme, ce qui fait que le rythme avance tout en semblant tourner. Les longues lignes de Coltrane reçoivent ainsi constamment un fond différent. Écoutez un passage à nouveau avec votre attention sur la batterie et le saxophone semble bouger d'une autre façon.

La célèbre représentation de quatre musiciens qui enregistrent tout définitivement en une seule prise demande néanmoins une nuance. L'enregistrement final contient également des parties ajoutées plus tard. De plus, Coltrane a continué à enregistrer le lendemain avec Archie Shepp et Art Davis. L'édition étendue Complete Masters rend ces possibilités alternatives audibles. L'album original repose sur un choix parmi ce travail ; la forme en quatre parties a été délibérément conservée.

RECONNAISSANCE : D'ABORD LE SON, PUIS LES MOTS.

Dans la première partie, la figure de basse de Garrison reste reconnaissable, même lorsque Coltrane s'en écarte. Le saxophone peut démarrer de manière incisive, tenir une note ou continuer avec une série rapide. La beauté est que cette base simple ne devient pas plus petite à cause de tout ce qui l'entoure. Elle gagne au contraire plus de charge parce que vous la retrouvez sans cesse.

Vers la fin, Coltrane déplace le motif à travers différentes hauteurs de ton. Ensuite, sa voix apparaît et le titre devient audible comme une phrase chantée répétée. Ce qui était d'abord une ligne de basse prend des mots. Le musicologue Lewis Porter décrit comment Coltrane préserve ici la reconnaissance jusqu'à la fin de la partie. L'auditeur a déjà entendu l'idée centrale depuis un certain temps avant que sa signification ne soit prononcée.

RESOLUTION ET PURSUANCE : LE MOUVEMENT AUGMENTE.

Resolution a un caractère plus résolu et déterminé. Le thème émerge plus directement et l'interaction devient plus intense. Tyner prend de l'espace avec un solo qui est à la fois percussif et mélodique. Son piano ne commente pas depuis le côté ; il mène la conversation dans une autre direction. Lorsque le saxophone revient, vous entendez à nouveau à quel point un thème peut fonctionner après que d'autres voix ont exploré la zone autour.

Sur le côté B, Jones met Pursuance en mouvement. La batterie est d'abord très présente à l'avant, puis laisse place au quartet. La musique a de l'élan, mais les instruments ne se suivent pas simplement les uns après les autres. Ils poussent, réagissent et déplacent l'accent. Cela rend cette partie passionnante à suivre avec attention : un accent peut changer la direction d'une phrase entière.

Plus tard, la basse de Garrison est beaucoup plus clairement exposée. Vous entendez le bois, la corde frappée et l'espace entre les notes. Après l'agitation, chaque mouvement prend un poids supplémentaire. Cette transition montre comment Coltrane utilise la longueur d'un album. Le silence et le ralentissement participent à l'histoire, tout comme les passages dans lesquels tout le monde joue en même temps.

PSALM : UNE VOIX SANS TEXTE CHANTÉ.

La dernière partie crée un lien particulier entre l'écrit et le son. Sur la pochette se trouve un poème de Coltrane. Dans Psalm, son saxophone suit les syllabes et le rythme de ce texte. Il porte le poème comme si c'était sur son instrument. Porter a décrit cette relation en détail : celui qui garde le texte à côté peut entendre comment les phrases bougent avec les mots.

Même sans lire en même temps, le ténor a quelque chose de parlant ici. Les lignes sont interrompues par de l'espace pour respirer. Une note peut être posée de manière plus incisive, une phrase suivante peut commencer plus bas. Les autres musiciens lui donnent un fond plus librement mouvant. Cela fait que la fin semble différente d'un dernier solo habituel sur un tour de disque d'accords fixe. Le disque se termine dans une forme de récital.

UN VISAGE, UN TITRE, UN INTÉRIEUR.

La photo de la pochette a été prise par le producteur Bob Thiele. Le visage de Coltrane et les grandes lettres blanches déterminent l'image. Ce design sobre correspond à la concentration de la musique : il vous donne peu de distractions avant que le disque ne commence. À l'intérieur, les explications et le poème rendent l'intention personnelle visible. L'emballage en fait partie ici comme une expérience de lecture et d'écoute.

Sur vinyle, après Resolution, il y a une interruption naturelle. Vous tournez le disque avant que Pursuance ne commence. Ce petit geste divise l'ensemble en deux moitiés : d'abord faire connaissance avec le motif et le mouvement déterminé, ensuite l'intensification et la fin prononcée. Vous n'avez pas besoin d'en faire un rituel pour remarquer que l'ordre compte.

UN DISQUE QUI CONTINUE DE TROUVER DE NOUVEAUX AUDITEURS.

A Love Supreme est sorti en janvier 1965. Il a reçu beaucoup d'attention très tôt et est devenu l'un des disques les plus connus de Coltrane. En 2021, il a été certifié platine aux États-Unis. Cela s'est produit plus d'un demi-siècle après la sortie originale : une indication concrète que le public ne s'est pas limité aux personnes qui ont découvert l'album à sa sortie.

D'autres versions montrent que Coltrane lui-même n'a pas traité la musique comme un monument fermé. Sur l'enregistrement de Seattle du 2 octobre 1965, un ensemble élargi joue, avec notamment Pharoah Sanders. La même suite y prend une autre ampleur. Juste à côté de telles interprétations, la clarté de l'album de studio se remarque. Quatre personnes, une forme claire et suffisamment d'espace pour entendre quelque chose de différent à chaque fois.